For English please scroll down


WöD: Часто ли вас просят разъяснить свои работы? Как вы к этому относитесь?
Александра Гарт: Иногда просят. Чаще всего отвечаю вопросом на вопрос: «А вы что об этом думаете?» Изначально я допускаю многообразие трактовок, и ощущения других людей от моих работ мне очень любопытны.

WöD: Над чем вы работаете сейчас или собираетесь работать в ближайшем будущем?
АГ: Развиваю уже существующие линии: синтез живого и неживого в пространстве мифа; миф, противостоящий логосу; изображение Иного, проникающего в нашу реальность через прорехи в ткани бытия, и Гриб как воплощение Иного.

Смотрите полную анкету: http://grafikkabinett.art/hudozhniki


Александра Гарт живет и работает в Петербурге.
РГПУ им. А. И. Герцена (2005–2010); курс печатной графики в Санкт-Петербургской печатной студии (2010–2011); Школа молодого художника Фонда «ПРО АРТЕ» (2015–2016).


Все представленные на выставке работы – сканированные и иногда слегка увеличенные копии. Эти и другие оригинальные произведения художницы можно посмотреть и приобрести в кабинете графики «Западно-восточный диван».

WöD сочетает в себе черты кабинета ценителя искусств и бара: здесь продаются графика и фотографии, выполненные современными художниками, составляются сборники для чтения, варится кофе, предлагаются легкие блюда, вино и пр.

grafikkabinett.art


----------

ENG

WöD: Do people ask you to explain what your works are about? How do you feel about that?
Alexandra Gart: I am sometimes asked. More often than not, I parry the question: “And what do you think about that?” As a basic premise, I accept a variety of interpretations, and I find it very intriguing how other people look at my works.  

WöD: What are you working on at the moment?  Do you have any plans for the near future?
AG: I am developing already-existing lines:  a synthesis of the animate and the inanimate in the realm of the Myth; Myth versus Logos; a depiction of the Other as it penetrates into our reality through tears in the fabric of beingness; and The Mushroom as the embodiment of the Other.

More: http://grafikkabinett.art/hudozhniki


Alexandra Gart lives and works in St. Petersburg, Russia.
Herzen State Pedagogical University of Russia (2005–2010); St. Petersburg Print Studio: a course in printmaking (2010– 2011); The PRO ARTE School for Young Artists (2015–2016)


All exhibited works are scanned and sometimes slightly enlarged copies. You may see and purchase these and other original works by the artist in the graphics cabinet West–östlicher Divan (West–Eastern Divan).

WöD is a combination sanctum for art lovers and bar – here you will find works on paper and photographs by contemporary artists on sale, collections of books, fresh brewed coffee, light meals, wine, and more…

http://grafikkabinett.art/

WöD: Каких художников, фильмы, музыку, тексты, страны, города, места вы могли бы порекомендовать для лучшего понимания того, что вы делаете?
Анна: Любимые художники: Ники де Сен-Фалль, Мэтью Барни, Луиз Буржуа, Босх. Фильмы: «Господа Бронко» Джареда Хесса и многое у Хармони Корина. Нравятся мультсериал «Пол-литровая мышь» и клипы Grimes. Из мест — русский лес.

WöD: What artists or films or music or texts or countries or cities or places would you recommend for somebody to gain a better understanding of what you do?
Anna: My favorite artists are Niki de Saint Phalle, Matthew Barney and Louise Bourgeois. In cinema, my favorites are Gentlemen Broncos by Jared Hess and many of Harmony Korine’s films. I like the animated TV series 12 oz. Mouse and the Grimes music videos. As for places, it’s the Russian forest.  



Анна живет и работает в Санкт-Петербурге
ПРО АРТЕ, «Школа молодого художника» (2012–2013); Санкт-Петербургская государственная художественно-промышленная академия им. А. Л. Штиглица (2008–2014). Участник группы «Север-7».
Подробнее: http://grafikkabinett.art/hudozhniki

Anna lives and works in St. Petersburg, Russia
The PRO ARTE School for Young Artists (2012–2013); The Saint Petersburg Stieglitz State Academy of Art and Design (2008–2014); a member of The Sever-7 (North-7) art-group.
More: http://grafikkabinett.art/hudozhniki



Все представленные работы – сканированные и иногда слегка увеличенные копии. Эти и другие оригинальные произведения художницы можно посмотреть и приобрести в кабинете графики «Западно-восточный диван».

All works are scanned and sometimes slightly enlarged copies. You may see and purchase these and other original works by the artist in the graphics cabinet West–östlicher Divan (West–Eastern Divan).


WöD сочетает в себе черты кабинета ценителя искусств и бара: здесь продаются графика и фотографии, выполненные современными художниками, составляются сборники для чтения, варится кофе, предлагаются легкие блюда, вино и пр.
WöD is a combination sanctum for art lovers and bar – here you will find works on paper and photographs by contemporary artists on sale, collections of books, fresh brewed coffee, light meals, wine, and more…
grafikkabinett.art

«Ковер гортензия» – так русский поэт и драматург Александр Введенский (1904–1941) в частных беседах называл одно из своих самых важных стихотворений, определяя его как «философский трактат». «Это стихотворение, в отличие от других, я писал долго, три дня, обдумывая каждое слово. Тут все имеет для меня значение <…> Повторений здесь много, но по-моему, лишнего нет, все они нужны, если внимательно присмотреться, они повторяют в другом виде, объясняя». Вместе с Даниилом Хармсом, Николаем Заболоцким, Константином Вагиновым Введенский принимал участие в деятельности авангардной литературно-театральной группы «ОБЭРИУ» (Объединение Реального Искусства), заявившей о себе в конце 1920-х годов. Отказываясь от традиционных форм и правил, участники группы настаивали на радикальном обновлении художественного языка, проповедовали абсурдизм и примитивизм в поэзии, культивировали гротеск и алогизм – одним словом, утверждали, что интересны только бессмысленные явления. Однако все эти эксперименты оставались почти неизвестны широкой публике. При жизни Введенский, как и многие обэриуты, был известен как детский поэт благодаря публикациям в легендарных детских журналах «ЁЖ» и «ЧИЖ». Введенский был репрессирован и погиб в заключении. Большинство его стихов опубликовали посмертно: начиная с 1960-х – в самиздате, в 1980-х – в американском русскоязычном издательстве «Ардис» и только с начала 1990-х – в российских издательствах.


Фотографии: Мария Батурина
Эти и другие оригинальные произведения художницы можно посмотреть и приобрести в кабинете графики «Западно-восточный диван».

Photographs: Maria Baturina
You may see and purchase these and other original works by the artist in the graphics cabinet West–östlicher Divan (West–Eastern Divan).


WöD сочетает в себе черты кабинета ценителя искусств и бара: здесь продаются графика и фотографии, выполненные современными художниками, составляются сборники для чтения, варится кофе, предлагаются легкие блюда, вино и пр.

WöD is a combination sanctum for art lovers and bar – here you will find works on paper and photographs by contemporary artists on sale, collections of books, fresh brewed coffee, light meals, wine, and more…

http://grafikkabinett.art/

Я привыкла думать о чем-то, рисуя, так удобнее, и у мыслей меньше шансов убежать, если им найден какой-то визуальный образ. Это первые рисунки-поиски к серии «Озеро в лесу». Сейчас серия совсем не похожа на эти ранние работы. Озеро в лесу, прежде всего, состояние, в которое погружаешься где-то на периферии основных мыслей и дел. Часто оно залегает на глубине и живет какой-то своей жизнью, являясь при этом важным источником или местом, где можно спрятаться. Как воспоминания о детских играх.

Ася Маракулина



Ася живет и работает в Петербурге.

Asya lives and works in Petersburg.


Все представленные работы – сканированные и иногда слегка увеличенные копии. Эти и другие оригинальные произведения художницы можно посмотреть и приобрести в кабинете графики «Западно-восточный диван» -- grafikkabinett.art

All works are scanned and sometimes slightly enlarged copies. You may see and purchase these and other original works by the artist in the graphics cabinet West–östlicher Divan (West–Eastern Divan) -- grafikkabinett.art

Ставшая уже традицией выставка Flashback посредством фотографий напоминает о некоторых интересных или важных событиях, произошедших в сфере искусства, кино и театра в Европе в ушедшем году. (См. предыдущие выставки Flashback в www.cafezoom.ru/gallery/#archive.)


Комментарий к фотографиям

Бар
Открытый кинотеатр на площади Пьера Паоло Пазолини, 26-й кинофестиваль Il cinema ritrovato. Болонья, июнь.


Первый зал
●    Перформанс Анне Имхоф, Немецкий павильон («Золотой лев» за лучший национальный павильон), 57-я Венецианская биеннале современного искусства. Август.
●    «РОСФОТО. 15 лет открытая коллекция». Петербург, сентябрь.
●    Мирослав Балка, CROSSOVER/S, ретроспектива в музее современного искусства Pirelli HangarBicocca. Милан, июль.
●    Карнавал в Италии. Порденоне, июль.
●    «One and One makes Three», ретроспектива Микеланджело Пистолетто в церкви Сан-Джорджо-Маджоре в рамках 57-й Венецианской биеннале современного искусства. Октябрь.


Первый проход
●    Нан Голдин, «The Ballad on sexual dependency», музей дизайна Triennale. Милан, ноябрь.
●    «Seismic sequence» (коллективная фотовыставка, посвященная истории землетрясений в Италии), Fondazione Fotografia Modena. Модена, декабрь.
●    Мастер-класс Ромео Кастеллуччи, арт-резиденция FABRICA. Тревизо, июнь.
●    Кристиан Болтански, «Anime. Di luogo in luogo», ретроспектива в музее современного искусства MAMbo. Болонья, июль.


Второй зал
●    Терраса Centre Georges-Pompidou. Париж, май
●    Открытие террасы Fondaco dei Tedeschi. Венеция, январь.
●    Набережная Скьявони. Венеция, сентябрь.
●    «Walker Evans», ретроспектива в Centre Georges-Pompidou. Париж, май.


Второй проход
●    Андре Бразилье, «Школа верховой езды в Сомюре», выставка новых приобретений, Государственный Эрмитаж. Петербург, сентябрь.
●    Выставка «Ансельм Кифер – Велимиру Хлебникову», Государственный Эрмитаж. Петербург, сентябрь.
●    Ансельм Кифер, «The Seven Heavenly Palaces», музей современного искусства Pirelli HangarBicocca. Милан, июль.
●    Свадьба. Париж, май.
●    «REVOLUTIJA. From Chagall to Malevich, from Repin to Kandinsky», музей современного искусства MAMbo. Болонья, декабрь.


Третий зал
●    Австрийский павильон, 57-я Венецианская биеннале современного искусства. Август.
●    Супруг Паоло и сын Иларио. Брусса, Италия, апрель.
●    «Bruegel. Unseen Masterpieces», Koninklijke Musea voor Schone Kunsten van België. Брюссель, февраль.
●    «Il mito del POP» (выставка итальянского поп-арта), Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea Armando Pizzinato. Порденоне, сентябрь.
●    Аниш Капур, «Luoghi d’origine. Monumenti per il XXI secolo» (ретроспектива макетов памятников), Fondazione MAST. Болонья, декабрь.
●    Инсталляция «Firebird Descent» («Жар-птица») арт-группы Poetic Kinetics, Новая Голландия. Петербург, сентябрь.


Туалеты
●    Пляж на Лидо. Венеция, июль.
●    Афиша спектакля Константина Богомолова «Преступление и наказание», театр Storchi. Модена, май.
●    «From Selfie to Self-Expression», Saatchi Gallery. Лондон, июнь.


Анна живет и работает в Италии.

Родилась в Сочи. Училась в СПбГУКиТ по специальности «киноведение». Окончила факультет истории искусств ЕУСПб.

Ссылки:
cargocollective.com/anna_malguina
instagram.com/malguina

Михаил живет и работает в Москве.

Список работ с комментарием.

Бар

«Песня слышится…», 2016, акварель, тушь, 29.7 × 21.2 см


Первый зал

Серия «Домашняя работа», 2013–2015, тушь, акрил.

Серию «Домашняя работа» я начал делать в 2013 году, когда жил в резиденции в небольшом итальянском посёлке Тоффия. Работа над ней растянулась на полтора года. Для меня в ней важны два плана её существования. Крупный план, когда это отдельные листы, каждый со своей историей, в которых рисунки или слова, написанные тушью, перекрываются яркими акриловыми всполохами, и общий, когда все эти листы соединены в своем множестве в яркое и пульсирующее панно – обычно именно так эта серия показывается на выставках.
М.З.


Второй зал

Серия «Когда ты один», 2016, акварель, тушь, 29.7 × 21 см

Серию «Когда ты один» я сделал во Владивостоке в резиденции «Заря». Одновременно со мной там был художник Иван Тузов, с которым мы были вынуждены делить не только общую комнату, но и одну мастерскую. Так, вплотную друг к другу, мы прожили почти месяц. В какой-то момент я потерял или забыл ощущение, когда ты принадлежишь только самому себе. Эта серия стала для меня лекарством, поиском необходимого ощущения одиночества – времени внутренней сосредоточенности и медитации.
М.З.


Третий зал

Серия «Карты», 2014–2015, тушь, 42 × 59.5 см

При всей кажущейся выдуманности и курьезности эти карты вполне документальны. В пределах легко узнаваемого контура 1/7 части суши художник отмечает реальные названия рек, озер и населенных пунктов, которые нашел в «Яндекс-карте». Cтрана большая, названий очень много. Но если использовать какие-нибудь смысловые фильтры (условно назовем их «фразеологический», «пространственный», «патриотический», «национальный», «тюремный», «ругательный» и т. п.), то можно обнаружить в этой топографической бесконечности констелляции слов. Они образуют крылатые выражения, указывают на стороны света, выявляют какой-нибудь любопытный социальный срез или обнажают историческую трагедию. Большое пространство ментально обживается, слова пасуются, как мяч на поле. В их порой нелогичном движении есть что-то от русского футбола, который, как и Родина, начинается со своего двора.
А.Ш.


«Первые под водой», из серии «Эскизы к несделанным работам», 2015, тушь, карандаш, 28.7 × 21 см

«Штиль», из серии «Эскизы к несделанным работам», 2015, тушь, карандаш, 28.7 × 21 см


Туалеты

«Место для...», 2016, акварель, тушь, 28 × 21 см
Серия «Домашняя работа», 2013–2015, тушь, акрил, 28.2 × 21 см



Все представленные работы – сканированные и иногда слегка увеличенные копии. Эти и другие оригинальные произведения художника можно посмотреть и приобрести в кабинете графики «Западно-восточный диван». http://grafikkabinett.art/

All works are scanned and sometimes slightly enlarged copies. You may see and purchase these and other original works by the artist in the graphics cabinet West–östlicher Divan (West–Eastern Divan). http://en.grafikkabinett.art

Выставка напоминает о художественно-благотворительной акции «Невидимые люди», прошедшей в Петергофском парке в июле 2016 года. В районе фонтана «Елочки» отдыхающие могли обнаружить девять зеркальных мужских и женских силуэтов, сливающихся с местным ландшафтом. (Фотодокументация этой инсталляции составляет основу выставки в Zoom’e.) Из портативных колонок рядом с фигурами доносились монологи-истории, благодаря которым становилось понятно, чьи это силуэты и что у них общего: реальные люди разного возраста и социального положения, которые в силу неудачных жизненных обстоятельств оказались бездомными. Zoom поговорил с непосредственными организаторами акции Викторией Рыжковой (благотворительная организация «Ночлежка») и Юлией Чайцыной (рекламное агентство Great).


Zoom: Как родилась идея?
Виктория Рыжкова: Эту и другие акции мы не придумали сами, а делали их совместно с рекламным агентством Great (great.ru), с которым у нас многолетняя дружба. Когда-то давно мы поняли, что наша цель — помогать людям. У нас есть пиар-отдел, задача которого — менять отношение общества к проблеме, собирать деньги и т. д. Но поскольку «Ночлежка» все время находится в одной и той же ситуации и у нас есть определенная однобокость взгляда, мы обратились к ребятам с просьбой помочь сделать первую акцию. С тех пор мы сотрудничаем. Помимо идей, Great часто софинансирует и практическую реализацию проектов. Это очень большое подспорье, поскольку у «Ночлежки» нет целевых денег на материалы, полиграфию и т. п. Первым нашим совместным проектом по взаимодействию с городской средой стала акция «Прорвать блокаду равнодушия». Потом последовала акция «Мраморные люди против каменных сердец» в Летнем саду в сентябре 2013 года. Это был также наш первый опыт взаимодействия с крупной государственной культурной институцией, Русским музеем, в чье ведение входит парк. По упомянутой причине переговоры были долгими и сложными. До этого мы проводили выставки в каких-нибудь андеграундных местах, вроде «Пушкинской 10». И в отличие от государственных институций, работа с такими пространствами никогда не была проблемой, поскольку довольно часто андеграундная тусовка сама на грани выживания. Ей понятны проблемы бездомных людей.

Почему Петергоф, а не, скажем, город, где, собственно, и обитают бездомные люди?
В. Р.: Помимо практических соображений, нам было важно, что Петергоф, как и Летний сад, — это известный бренд, который сможет привлечь к акции максимум внимания. Здесь большой поток туристов, благополучных людей. Если в первый год сотрудничества переговоры шли долго и сложно (как и с Русским музеем), то в следующем сезоне Петергоф очень активно и с большим энтузиазмом оказывал помощь в реализации акции «Невидимые люди». Для Петергофа это был новый повод поговорить со своей аудиторией. Делу помогло и то, что обращение к сложной социальной проблеме оказалось сделано в художественной форме.

По какому принципу подбирались истории?
В. Р.: Мы взяли истории из проекта для онлайн-издания «Такие дела» (takiedela.ru). Изначально мы обратились к ним с предложением сделать рубрику «Правила жизни» наподобие той, что делает Esquire, когда предлагает успешным, известным людям поделиться своими правилами жизни. В нашем же случае мы предоставили слово бездомным. Очень часто они говорят важные вещи. Нам было интересно узнать, что бездомный человек думает о религии, о политике, о своей жене или муже; о том, как правильно жить; о том, где он ошибся, оступился и т. д. Из этого онлайн-проекта мы отобрали несколько историй для акции «Невидимые люди». Мы старались выбирать неповторяющиеся истории. Они должны были быть интересны читателю. Истории, если коротко, «хардкорные»: блокадница, которую выселили на улицу, чтобы заполучить ее жилье; мама с двумя детьми, которой дали аварийное жилье; парень из детдома; человек, продавший квартиру, чтобы оплатить лечение матери, но в результате потерявший и мать и квартиру; и т. п.

Кажется, что успех акции был во многом связан с удачно найденной художественной формой.
В. Р.: Да, идея довольно легко и быстро считывается. Бездомные — это люди, которых все игнорируют, не замечают.
Юлия Чайцына: Из практических соображений фигуры были сделаны из пластика, на который потом накатали зеркальную пленку. Зеркальный материал использовался не только для того, чтобы «замаскировать» фигуры бездомных в среде парка и тем самым как бы показать, что мы часто видим сквозь них. Еще был заложен и такой смысл: в зеркале каждый может увидеть себя — то есть никто не застрахован от подобного несчастливого развития событий; бездомные не родились на улице, они были такими же точно членами общества, как и зритель.

Как вы оцениваете результаты акции?
Ю. Ч.: Реакция зрителей была самой разной, иногда даже негативной. Всё как в жизни.
В. Р.: Акция не задумывалась как фандрайзинговая, хотя в определенный момент мы наблюдали всплеск пожертвований в связи с ней. Но в целом результаты наших акций довольно сложно оценить напрямую. Дело в том, что та или иная акция часто может «выстрелить» сильно позже. У нас были случаи, когда человек жертвовал деньги, говоря, что он когда-то где-то видел нашу акцию, а вот сейчас он увидел просьбу о помощи — и у него есть возможность помочь, поскольку «Ночлежка» делает крутое дело. Наши акции — это скорее череда, цепочка событий, благодаря которым «Ночлежка» занимает информационное поле. За пять последних лет мы, наверное, стали одной из самых награждаемых благотворительных организаций в области социальной рекламы. И в этом большая заслуга Great. Когда мы много лет назад выбирали пиар-стратегию, у нас было два пути: мы могли проводить всякие акции прямого действия, митинги, пикеты и т. п. — или, наоборот, пойти в искусство, говорить о проблемах бездомных посредством культурных, художественных форм, метафор, что мы в результате и предпочли. Поэтому «Ночлежка» — не просто социальная организация, помогающая бездомным, но и социально-культурный проект, в рамках которого мы говорим о бездомности культурным языком. В этом можно увидеть и проявление нашей петербургской идентичности. И благодаря этой выбранной много лет назад стратегии «Ночлежке» сейчас помогают еще и просто потому, что это стало модно, престижно, стало хорошим тоном.

22 ноября 2017
Интервью взято в пространстве WöD


Если у вас есть желание и возможность поддержать фонд «Ночлежка», это всегда можно сделать непосредственно в Zoom’е: напротив барной стойки находится пластиковый ящик для пожертвований, с логотипом фонда. «Ночлежка» также проводит новогоднюю благотворительную акцию «Мандаринка и тушенка». Подробности об этой и других акциях фонда можно узнать здесь: https://homeless.ru/news/

Фотографии: Юлия Чайцына


Ссылки:
homeless.ru (официальный сайт «Ночлежки»)
youtube.com/watch?v=xpeECxPYY-E&feature=youtu.be (трейлер проекта)
great.ru/ru/agency/cases/#/ru/work/view/116

Истории на сайте «Такие дела»
https://takiedela.ru/2016/06/vera-solnceva/
http://takiedela.ru/2016/06/nochlezhka-2/
http://takiedela.ru/2016/05/pravila-zhizni-bezdomnykh-vasiliy-odar/
http://takiedela.ru/2016/04/i-papa-ne-narkoman/
http://takiedela.ru/2016/03/na-mars/
http://takiedela.ru/2016/03/znakomykh-iz-detskogo-doma-ya-starayus/
http://takiedela.ru/2016/01/pravila-zhizni/

Датированное 1815 годом, стихотворение «Гинко билоба» вошло в знаменитый поэтический сборник Гете «Западно-восточный диван» (1819). Ginkgo biloba – дерево с очень древней историей и своеобразным очертанием листьев. Комментаторы отмечают, что оно послужило для поэта «универсальным мировоззренческим символом единства и двойственности, несливающихся и нерасторжимых»; символом одновременно жизненным, художественным, естественнонаучным, натурфилософским.[1] Гете посвятил стихотворение Марианне фон Виллемер и сопроводил письмо листом гинко. Истолкованию этого послания посвящена обширная и разнообразная литература.

Сборник «Западно-восточный диван» оказался одной из первых попыток синтезировать восточную и западную поэтические традиции. Отдельные фрагменты сборника переводились на русский язык уже начиная с 1820-х, но самое полное русскоязычное издание произведения, с поэтической и прозаической частями и научным комментарием, увидело свет только в 1988 году.

Русский перевод стихотворения, выполненный Вильгельмом Левиком, цитируется по: Гете И.В. Западно-восточный диван: [Перевод] / Иоганн Вольфганг Гете; Изд. подгот. И.С. Брагинский, А.В. Михайлов АН СССР. - М.: Наука, 1988, С. 72–3.

Сноски:
  1. Ibid., C. 751–2.


Фотографии во втором зале: Мария Батурина, диптих из серии «Шелкография», широкоформатная печать на акварельной бумаге Hahnemuhle, 2017.

Мария живет и работает в Петербурге. Работы художницы представлены в кабинете графики «Западно-восточный диван».
www.grafikkabinett.art

Polina Grinberg, 'Excited about what's coming next'

For English please scroll down


Zoom: Привет. Прошло два года с момента твоей предыдущей выставки у нас. Что нового произошло у тебя в творческом плане?

Полина: Для меня это было время роста и экспериментов. Появилось больше опыта в организации выставок и проектов с другими художниками. В прошлом году мы с однокурсниками впервые сделали работу на заказ – задача была придумать экспозицию в винном погребе одного правительственного здания в Берлине.
  В целом мне удалось попробовать много разных техник и материалов и лучше понять, как я работаю и что мне помогает в творчестве. Я заметила, к примеру, что что бы я ни делала – акварели, инсталляции или серию принтов – для меня очень важен нарративный элемент: какое-то движение, развитие, своего рода путешествие в пространстве и времени.
  В июле я защитила диплом бакалавриата, и сейчас мне хочется сосредоточиться на том, что у меня получается лучше всего. Может быть, это окажутся книжки с какими-нибудь керамическими историями… Мне очень интересно, что будет дальше.

Полина Гринберг родилась в 1984 году в Москве. Окончила филфак РГГУ и Институт художественной керамики и стекла в Германии. Живет и работает в Кобленце, Германия. Участник выставок в Германии, России и Нидерландах.

polinagrinberg.de
facebook.com/ArtPolinaGrinberg
instagram.com/artpolinagrinberg
cafezoom.ru/gallery/#archive

Все представленные работы – сканированные и увеличенные копии, которые можно приобрести. Также у вас есть возможность купить оригинальные произведения художницы в кабинете графики «Западно-восточный диван», который откроется в октябре этого года в Петербурге.

WöD
www.grafikkabinett.art

--------------------

ENG

Zoom: Hi. It’s been two years since your previous exhibition at Zoom. How has your work evolved in the meantime?

Polina: For me it has been a time of growth and experiment. I’ve definitely gained more experience in terms of organising exhibitions and collaborating with other artists. Last year together with my fellow students we received our first commission: we designed an exposition for a wine cellar in a governmental building in Berlin.
  In general, my goal has been to learn about different techniques and materials and learn more about my creative process and what helps me in my work. For instance, I noticed that whatever I do – watercolours, installations, or a series of prints – a narrative element is very important to me. Something is going somewhere, it’s growing, it’s developing. It’s a journey in space and time.
  In July I got my bachelor degree and now I feel like it’s time to choose one thing that I do best. Perhaps this could be books with some ceramics stories… I’m very excited about what’s coming next.

Polina Grinberg was born in Moscow in 1984. She graduated from Russian State University for Humanities and the Institute of Ceramic and Glass Arts (IKKG) in Germany (BFA). Polina has participated in various exhibitions in Germany, Russia and the Netherlands. She lives and works in Koblenz, Germany.

polinagrinberg.de
facebook.com/ArtPolinaGrinberg
instagram.com/artpolinagrinberg

All works are scanned and enlarged copies. You may buy original works by the artist in the graphic cabinet West–östlicher Divan (West–Eastern Divan), which is due to open in October this year in St Petersburg.

WöD
www.grafikkabinett.art

For English please scroll down

'Серия была сделана в течение одного лета 2009 года. Все бары и пабы находятся в Хельсинки. Некоторые из них уже больше не существуют или, по крайней мере, выглядят по-другому. Я никогда не спрашивал у посетителей разрешения на съемку, но обычно они в какой-то момент замечали ее. Только в одном случае это привело к конфликту, который, впрочем, благополучно разрешился в ходе разговора. Многим нравилась идея оказаться частью выставки :-) Я не запомнил их имен или контактной информации, поэтому не смог пригласить их на открытие.' --- Яаакко Коскентола


'Изображения Яаако Коскентола, скорее, уводят вас от заявленной темы одиночества. Они подсказывают, что расстояния, разделяющие людей, также являются предпосылкой для встречи с кем-либо. <…> Я задумался над возможностью того, что прикосновение как-то внутренне связано с видением, не только метафорически или лирически. Может ли глаз касаться? Может ли он быть одним из сенсорных аппаратов касания? Может ли взгляд успокаивать издалека, или он только ангел тоски и отсутствия, расстояния? Может ли расстояние быть как обещанием прикосновения, так и самим прикосновением?' --- Аки Каккинен, критик


Список работ с комментарием автора:
-- Бар «9». Здесь часто проходят выставки и тусуются художники.
-- Бар «Роттердам» в торговом центре.
-- Бар «Черная дверь». Известен своим элем.
-- Бар Erottaja. Теперь здесь караоке.
-- Паб «Святого Урхо». Назван так в честь президента Урхо Кекконена. На заднем фоне висит его портрет, где он пьет cахти (традиционное финское нефильтрованное пиво).
-- Бар Roskapankki (буквально – «плохой банк»). Этот бар популярен у представителей криминального мира.
-- Бар Corona. Основан Аки Каурисмяки. На заднем фоне висит поздний портрет актера Матти Пеллонпяя.
-- Hiutalebar. Сейчас здесь бар для любителей тяжелого рока.
-- M-Bar. Сейчас эта популярная терраса закрыта. На этом месте строится музей современного искусства.
-- Apollo. Место популярно благодаря живым концертам и комедийным шоу.
-- Бар «Москва». Основан Аки Каурисмяки. Здесь наливают в основном русский алкоголь, и можно услышать Высоцкого на виниловых пластинках.


Яаакко Коскентола (р. 1965) живет и работает в Хельсинки. Его работы выставлялись в Хельсинки, Таллинне и Берлине.

www.jaakkokoskentola.fi


------------- ENG


Jaakko Koskentola,  'At other tables'

'The series was shot during one summer in 2009. All venues are in Helsinki; some of them no longer exist or at least do not look like in the pictures. When shooting I did not ask for permission to shoot. Every time I was shooting someone noticed that I was taking pictures. Only once someone got angry but that was resolved by talking. Many people were happy with the idea of getting their face in an exhibition :-). I did not take their names or contact info so I could not invite them to the opening.' --- Jaakko Koskentola

'Jaakko Koskentola’s images lure the viewer away from their stated theme of loneliness. They whisper that the distances separating people are also a prerequisite for ever meeting anyone <…> I begin to explore the possibility, which at first appears metaphorical or lyrical, that touch is something intrinsically entwined with seeing. Can the eye touch? Сan it be one of the sensory apparatuses of touch? Can a look console, from afar, or is it only an angel of longing and missing, of distance? Сan distance be, as well as a promise of a touch, also touch itself?' --- Ari Kakkinen


List of works, along with the author’s comments:
-- Bar 9 – This bar has art exhibitions and is often frequented by artists.
-- Rotterdam Bar in a shopping mall.
-- Black Door pub is famous for real ale.
-- Erottaja Bar –This bar has been replaced by a karaoke bar.
-- St. Urho’s Pub – Named after President Urho Kekkonen who can be seen in a painting in the background drinking sahti.
-- Roskapankki (Bad Bank) – This bar used to be frequented by underworld.
-- Corona – Established by Aki Kaurismäki. The late actor Matti Pellonpää’s portrait is in the background.
-- Hiutalebar – Now replaced by a heavy metal bar.
-- M-Bar – This popular terrace is now closed. A contemporary art museum is currently being built on the location.
-- Apollo – This place is also known for live music and comedy shows.
-- Moskova Bar – Established by Aki Kaurismäki. They serve mostly Russian drinks here. Vysotsky is often played on LP.


Jaakko Koskentola (b. 1965) lives and works in Helsinki. His works have been exhibited in Helsinki, Tallinn and Berlin.

www.jaakkokoskentola.fi

От кого: Julia Chaitsyna <chaitsynacreative@gmail.com>
Дата: 26 июня 2017 г., 13:28
Тема: Юля Чайцына – про выставку
Кому: info@cafezoom.ru


Привет, ZOOM.

Меня зовут Юля Чайцына. Лично с вашей командой не знакома, но кафе люблю ещё со студенческих времён, когда заказывали чай со сгущёнкой и ели её как десерт ложками из белых соусников.

О себе:
visual artist, работаю UX-дизайнером, дизайнером шрифтов, создаю анимацию, но это всё не имеет отношения к делу.

В свободное время я рисую на маленьких цветных бумажках, которые беру в строительном, семейные картиночки про кошек-мышек (меня и моего друга Сашу). И их уже накопилось столько, что друзья настаивают на выставке. И первое, что мне пришло на ум, это, естественно, ZOOM. Подходящий формат и дружелюбная атмосфера.

Вот такая серия. Их штук сто, я думаю, точно наберётся.


----------

Юля живет и работает в Петербурге.

Facebook.com/chaitsyna

Pinterest.com/its_creative/cat-mouse

Instagram.com/its__creative

For English please scroll down

В 2006 году я купил на блошином рынке личные вещи одной неизвестной мне женщины. По мере чтения ее писем и заметок, которыми были набиты несколько мешков, ее жизнь и личность стали раскрываться передо мной. По этим текстам я попытался создать или, точнее, реконструировать, ее портрет, ставший частью серии Alienation Stories (2009). Этот эксперимент оказался отправной точкой для моего нынешнего проекта «Кадрирование мира: эссе о выстраивании опыта». Я принялся искать в Интернете истории из повседневной жизни неизвестных мне людей со всего мира. Google-переводчик помог мне понять общий смысл этих текстов, написанных на самых разных языках. После сотен часов поисков я испытал примерно то же чувство, что и с бумажным наследием той женщины: я попытался представить себе внешность и среду обитания этих рассказчиков. Я отобрал особенно зацепившие меня истории и попросил перевести их для меня максимально точно. Затем определил место, город или деревню, а иногда даже улицу, где живут анонимные авторы этих историй. Я отправился туда, чтобы узнать, как выглядят их улицы, дома и жилые пространства. Затем я купил строительные материалы, ткани, обои, мебель и подобные предметы быта и интерьера в местных магазинах и на блошиных рынках. Наконец, основываясь на тексте и нанимая профессиональных актеров, я проделал в моей студии в Хельсинки реэнактмент каждой истории и интерьера, в котором она разворачивается (от англ. Re-enactment – реконструкция события из прошлого). Текст поверх итогового образа-реконструкции приведен на родном языке его анонимного автора. Итоговая серия будет включать в себя десятки таких анонимных историй со всего мира.
                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                   Из интервью с художником



Выставка-тизер «Листья пандана» предлагает уникальную возможность заглянуть «за кулисы» художественного проекта Яри Силомаки «Кадрирование мира: эссе о выстраивании опыта». Мы решили проиллюстрировать подход художника на примере истории из района Khlong Toei (на тайском означает «канал пандан», в честь растения, которое растет по его берегам) в Бангкоке. На выставке представлены снимки, сделанные в этом знаменитом своими трущобами квартале, и фотографии студии художника в Хельсинки, демонстрирующие разные этапы реэнактмента истории (первый и второй залы), а также итоговое изображение-реконструкция (третий зал). Другие истории и их визуальные реконструкции можно увидеть в летнем кураторском пространстве «Витрина районной библиотеки: современное искусство про каждого для каждого».


ENG

In 2006, at a flea market, I bought some personal documents that had belonged to a woman I didn’t know. While reading her letters and notes, all stuffed into garbage sacks, her life and personality began to open to me. Based on these texts, I tried to construct, or rather reconstruct, a visual portrait of her, which became part of the series Alienation Stories (2009). This experiment was the beginning of my current project Framing the World: An Essay on the Organisation of Experience. I began searching online for everyday life stories written by anonymous people from around the world. Google translator helped me to get a general meaning of these texts typed in all possible languages and scripts. After hundreds of hours of Internet trawling, I ended up with a similar feeling as with the paper-based past of the first woman: portraits and the living environments of the various narrators slowly unfolded before me. I selected the most appealing stories and asked a professional interpreter to translate them as precisely as possible. I then located the place, a city or a village or even a street, where these anonymous stories came from. I travelled there to discover what the streets, houses and living spaces looked like in those areas. I then bought genuine local construction materials, fabrics, wallpaper, furniture and the like in the shops and flea markets. Finally, in my Helsinki studio, I re-enacted each story and its specific setting as accurately as possible, based on the textual references and employing professional actors. The text in each final image-re-enactment is written in the native tongue of its unidentified author. The completed series will include dozens of such anonymous stories from around the world.
                                                                                                                                                                                                                                                                                                                           From an interview with the artist



Zoom’s exhibition-teaser ‘Pandan Leaves’ provides a unique opportunity to look behind the scene of Jari Silomaki’s art project Framing the World: An Essay on the Organisation of Experience. To illustrate the artist’s approach, we chose a story from Bangkok’s district Khlong Toei (which translates as the Canal of Pandan, a reference to the plant that grows on its banks). The show features images of this well-known slum and Helsinki-based studio photographs of the re-enactment of the story at different stages of its production (the first and second rooms), as well as the final image-re-enactment (the third room). More stories and their visual reconstructions can be experienced in the summer curatorial space ‘Local Library Window: Contemporary Art About Everyone for Everyone’.


Продолжение / See more:

Витрина районной библиотеки: современное искусство про каждого для каждого
Local Library Window: contemporary art about everyone for everyone

Яри Силомаки / Jari Silomaki
Кадрирование мира: эссе о выстраивании опыта
Framing the World: An Essay on the Organisation of Experience
21.06 – 23.07 / 2017
www.facebook.com/vitrinabiblioteki/


Яри Силомаки живет и работает в Хельсинки / Jari Silomaki lives and works in Helsinki
www.jarisilomaki.com


Спасибо / Kiitos / Thanks:

- SUOMI 100, www.suomifinland100.fi  
- Генеральное Консульство Финляндии в Санкт-Петербурге, www.finland.org.ru
- FRAME: Contemporary Art Finland, www.frame-finland.fi
- Институт Финляндии в Санкт-Петербурге, www.instfin.ru
- Принткафе, www.printcafe.ru

For English please scroll down


Яркие и легко узнаваемые изображения Леены Кисонен можно повстречать по всему миру и в самых разных контекстах: на кредитных картах, футболках и полотенцах, в витринах магазинов и на экранах мобильников. Дополняя ее недавно завершившийся проект в пространстве Института Финляндии, выставка Ilo, или «удовольствие» в переводе с финского, делает акцент на иллюстрациях и дизайнерских работах автора. Коммерческие заказы здесь счастливо соседствуют со свободными фантазиями и экспериментами, приоткрывая творческую кухню художницы.

Леена Кисонен живет и работает в Хельсинки.

leenakisonen.com
instfin.ru/ru/events/kevatjuhla/
suomifinland100.fi

ZOOM очень признателен художнице и Институту Финляндии в Санкт-Петербург за поддержку выставки.


--------

ENG

Ilo (‘joy’ in Finnish) showcases charming and recognisable works of Finnish Graphic Artist Leena Kisonen. These colourful images have travelled all around the world, pepping up everything from credit cards to shop windows. Complimenting the recently closed display of the same artist at the Finnish Institute in St Petersburg, this show explores Leena’s creative profile as an illustrator and a designer. With commercial and artistic works side by side, it includes art prints and illustrations created for textiles, commercial products and digital platforms.

Leena Kisonen lives and works in Helsinki.

leenakisonen.com
instfin.ru/ru/events/kevatjuhla/
suomifinland100.fi

ZOOM is deeply grateful to the artist and the Finnish Institute in St Petersburg for making this show possible.

«Псалом» – стихотворение из сборника «Роза-Никому» (Die Niemandsrose, 1963) Пауля Целана, крупнейшего немецкоязычного поэта послевоенной Европы.

Немецкий оригинал «Псалма» и его русский перевод, сделанный Ольгой Седаковой, цитируются по изданию: Пауль Целан. Стихотворения. Проза. Письма / под общей ред. М. Белорусца. — М.: «Ад Маргинем Пресс», 2013.

Ссылки:
www.olgasedakova.com/Poetica/261
(переводчик Ольга Седакова о Целане)

www.os.colta.ru/literature/events/details/3600
(литературный критик Александр Скидан о Целане)

www.magazines.russ.ru/inostran/1999/12/celan.html
(другие варианты перевода «Псалма» на русский)



Илья Гришаев

Родился в 1984 году в Перми.
В 2005 году окончил Пермский гуманитарно-технологический институт; в 2013 году – «Школу молодого художника» Фонда культуры и искусства PRO ARTE.
Живет и работает в Петербурге. Участник арт-группы «Север-7».

Выставки (выборочно):
2013 – «При меты». Галерея Navicula Artis, Санкт-Петербург.
2013 – «Условие». Площадка молодого искусства «Старт» ЦСИ Винзавод, Москва.
2013 – Проект «синтаксис». Паблик-арт программа музея PERMM, Пермь.
2014 – «ГИЙОМ». Выставочное пространство «Непокорённые 17», Санкт-Петербург.
2014 – «Север». Пространство «Север-7», Санкт-Петербург.
2015 – «кон». Мастерские «Непокорённые 17», Санкт-Петербург; мастерские «Буракова 27», Москва.
2016 – «pas tout / не всё». Галерея «Анна Нова», Санкт-Петербург.
2017 – «ло_ ло_». Галерея DVD, Санкт-Петербург.

http://grishaevilya.tumblr.com

Выставки Flashback в начале каждого года становятся традицией для Zoom'а. Фотографии, сделанные киноведом Анной и ее коллегами во время поездок по Европе и США, напоминают о некоторых интересных событиях, произошедших в сфере искусства и культуры в 2016 году.


Комментарий к фотографиям


Бар
•    Афиша ретроспективы фильмов с Марлоном Брандо. 25-й кинофестиваль Il cinema ritrovato, Болонья, июль.


Первый зал

•    XV Архитектурная биеннале. Арсенал. Венеция, октябрь.

•    Выставка Стива Маккарри Senza confini. Галерея Гарри Бертойя, Порденоне, май.

•    Выставка Давиде Тоффоло Il Pasolini di Toffolo. Da Casarsa a Casarsa. Центр Пьера Паоло Пазолини, Казарса, июнь.

•    Павильон Сингапура на XV Архитектурной биеннале. Арсенал, Венеция, октябрь.



Первый проход (слева)

•    Премьера отреставрированной копии фильма Фрица Ланга «Усталая смерть». 66-й Берлинский международный кинофестиваль, февраль.



Второй зал

•    Festa del Redentore-2016. Венеция, июль.

•    Афиша выставки Хельмута Ньютона. La casa dei tre oci, Венеция, апрель.

•    День открытых дверей в арт-резиденции FABRICA архитектора Тадао Андо. Тревизо, декабрь.

•    Премьера «Иоланты/Щелкунчика» режиссера Дмитрия Чернякова. Гранд-опера, Париж, март.

•    Где-то над Европой, январь.



Третий зал

•    Il processo della Vecia (что-то вроде Масленицы), художник Паоло Пазут. Порденон, март.

•    Павильон Турции на XV Архитектурной биеннале. Арсенал, Венеция, сентябрь.

•    Отель, Вена, июнь.

•    Премьера отреставрированной копии фильма «Семь шансов» с Бастером Китоном. 25-й кинофестиваль Il cinema ritrovato, Болонья, июль.



Туалеты, первый и второй проходы

•    Выставка Александра Цикаришвили «Знак бесконечности». Галерея Navicula Artis, Петербург, октябрь.

•    Европейская биеннале современного искусства Manifesta 11. Цюрих, лето.

•    Премьера «Три текста про войну» (спектакли по текстам Мюллера, Черчилл и Сорокина).  Режиссерская лаборатория БДТ, Петербург, февраль.

•    Выставка Ernesto Neto. KIASMA, Хельсинки, лето.

•    Выставка Розмари Трокель. Центр современного искусства им. Сергея Курехина, Петербург, апрель.

•    Премьера оперы «Волшебная флейта» в постановке Эрика Вижье. Михайловский театр, Петербург, апрель.

•    9-я Берлинская биеннале современного искусства. Лето.

•    Премьера спектакля «Гроза» режиссера Андрея Могучего. БДТ, Петербург, июнь.

•    Презентация антологии «Новая русская музыкальная критика» издательства НЛО. Электротеатр Станиславский, Москва, сентябрь.  

•    Выставка-инсталляция Manifesto Джулиана Розефельда. Hamburger Bahnhof, Берлин, июнь.

•    Ретроспектива Франсиса Пикабиа Our Heads Are Round so Our Thoughts Can Change Direction. Kunsthaus, Цюрих, лето.

•    Концерт Sigur Rós. Stereoleto, Петербург, июль.

•    Ретроспектива художественной группы NSK. Гараж, Москва, осень.

•    Выставка «Булгаков vs Маяковский», куратор Александра Селиванова. Галерея «На Шаболовке», Москва, сентябрь.

•    Выставка Леонида Сокова «Незабываемы встречи». ГТГ, Москва, октябрь.

•    Выставка-инсталляция Kai Althoff: and then leave me to the common swifts. MOMA, Нью-Йорк, осень.

•    Выставка The Keeper. New Museum, Нью-Йорк, октябрь.

•    Выставка-инсталляция «Парашютист опускается на землю равномерно». Сезонное выставочное пространство «Витрина районной библиотеки», Петербург, июль.

•    Выставка Isa Genzken: Make Yourself Pretty! Martin-Gropius-Bau, Берлин, июнь.

•    Премьера спектакля «Ричард III» режиссера Томаса Остермайера. Schaubühne, Берлин, июнь.

•    Презентация сборника статей искусствоведа Ивана Чечота. Пространство Masters, Петербург, декабрь.


Анна живет и работает в Италии.

Родилась в Сочи. Училась в СПбГУКиТ по специальности «киноведение». Окончила факультет истории искусств ЕУСПб.

Ссылка: cargocollective.com/anna_malguina


См. предыдущие выставки Flashback в разделе "Архив" галереи.

ZOOM: Привет. Как дела?
Александр: Всегда готов!

Z: Твоя предыдущая выставка здесь состояла из студенческих работ, сделанных на одном из курсов в Академии Геррит Ритвельд. Что у тебя изменилось?
А: Изменилось много всего. Это коснулось как моих подходов к работе с материалом, так и понимания медиума фотографии.  

Z: Большая часть работ на выставке происходит из твоей новой серии «Bless you! / Будь здоров!». Сюжетно она продолжает твой предыдущий проект «See You Later! / До скорой встречи!». Голландская школа что-то привнесла в твое восприятие русской фактуры?
А:  Да, это правда. Многие мои проекты перетекают из одного в другой, а порой встречаются в одном пространстве, например книги или выставки. Будучи в Голландии, я столкнулся с феноменом мультикультурализма и пришел к понимаю, что язык искусства является многофункциональным и общим инструментом. Все это оказало мощное влияние на становление и укрепление моей художественной практики. К русской же фактуре я отношусь так же, как и раньше. Единственное, я начал внимательнее приглядываться к изменениям вокруг.  

Z: Назови двух-трех важных для тебя сегодня художников/фотографов.
А: Хочу отметить Йоханесса Шварца (Johannes Schwartz) и Пола Койкера (Paul Kooiker), у которых посчастливилось учиться, а также Пола Грэхема (Paul Graham) и Бориса Михайлова.

Z: И прокомментируй, пожалуйста, какой-нибудь один (особо ценный) снимок на выставке.  
А: Из фотографий выделю изображение раскрашенного дерева, которое я сделал в парке Рембрандта в Амстердаме. Совершенно случайно я обнаружил на одном из деревьев следы акриловой краски. С тех пор это место стало моим символом соединения органического и искусственного и напоминало сам процесс создания изображения. Я возвращался к нему много месяцев подряд и сделал больше сотни фотографий. Иногда ко мне подходил какой-нибудь городской житель и с любопытством расспрашивал, зачем я так тщательно изучаю это место. Потом я начал приводить друзей к дереву, и мы забирались на ветку повыше, сидели и смотрели на плавающих уток.

----------

Александр живет и работает в Петербурге.
Родился в 1986 году в городе Касли, Россия.

2012-2015 – факультет фотографии, Академия Геррит Ритвельд (De Gerrit Rietveld Academie),  Амстердам, Нидерланды.
2009-2012 – «ФотоДепартамент», Санкт-Петербург.
2008-2012 – Школа фотографии имени Ю. А. Гальперина, Санкт-Петербург.

Участник многих персональных и групповых выставок в России, Нидерландах, Германии, Англии и Польше. Работы публиковались в таких изданиях, как Extra Extra, De Gids, Calvert journal, Stedelijk Studies, De Groene Amsterdammer, Metropolis M.

Фотокниги: «See You Later! / До скорой встречи!» (2011)

www.sashasedelnikov.com  

ZOOM: Ты работаешь интерьерным художником и делаешь монументальные работы, которые на долгое время формируют определенную среду. Чем тебе интересна временная выставка? Много ли их у тебя было? Сложно ли переключаться с одного формата/масштаба на другой?

Олеся:  Монументальное перемежается миниатюрным. Работа над дизайном интерьера сменяется работой над книгой – для меня это в порядке вещей. Сейчас мне (любопытства ради) хочется увидеть новый горизонт. Во вкус выставочный я только вхожу – может, это и будет новый горизонт?  Уже вижу сплошные параллели, их больше, чем различий. И эти параллели увлекают. Скажем, временные рисунки тоже формируют среду, по крайней мере, я очень рассчитываю на это. Они также способны отправить вас в путешествие. А это и есть одна из основных моих целей – полетать самой, кого-нибудь  прихватить и тоже отправить в полет. Временная выставка ещё тем интересна, что можно попробовать то, что, допустим, сложно сделать в интерьере. «Обстоятельства зрительства» меняются... А сложности, связанные с многоплановостью в работе, мне не встречались доселе. Видимо, азарт их перекрывал.



Z: Многие твои работы описывают знакомый предметный быт, но в них часто привносится
элемент сюрреальности. Также кажется, что тебе интересно классифицировать вещи по какому-нибудь формальному признаку. Порой эти два подхода сочетаются в одной работе. Откуда это?

О: Я тут недавно поняла, что свои самые мощные впечатления и приключения я переживала во снах. К сожалению, всё остальное для меня меркнет по силе окрыления. Хотя может быть и стройным логически, и радовать глаз, и быть мегазначимым для человечества. Но есть что-то спрятанное в каждом из нас, и у этого что-то своя жизнь. Вообще мне кажется, что сочетание обыденности с непостижимостью – это очень жизненно.



Z: Как были сделаны работы, представленные на выставке?

О: Изначально это было два эскиза для благотворительного проекта – росписи стен в московском хосписе. Людям со сложностями в передвижении порой тоже нужно путешествие. Затем я дорисовала ещё 58 рисунков, взяв за основу то, что сейчас меня трогает. Они уже более личные, чем те два первых рисунка.



Олеся живет и работает в Петербурге.

Ссылки:
http://gonserovskaya.ru

overlap*

*частичное наложение, перекрытие предметов, фигур, тел


Почти половину первоначального варианта выставки должны были составить ранние снимки художницы, сделанные еще на фотопленку и выложенные позднее на flickr'e. Документальные, винтажные, штучные, ручной работы, с дефектами – и оттого атмосферные, они оказались бы любопытной точкой отсчета (или даже контрастом) для восприятия дальнейшей эволюции автора. Но эти оригинальные фотопленки были утрачены, а с ними и надежды на более многослойную идею экспозиции. Нельзя также сказать, что предлагаемая выставка стремится репрезентировать сегодняшний характер портфолио художницы, в котором преобладают работы с 3D визуализацией. В основе лежит, скорее, одно маргинальное формальное наблюдение: частично перекрываться и дополнительно что-то означать могут не только геометрические фигуры на плоскости, но и, например, человеческие фигуры в плоскости снимка; или старые и новые технологии, пускай уже не в рамках всей выставки, а в отдельных работах.    

Жанна живет и работает в Петербурге.

Комментарий художницы:
Моя биография как художника довольно скудна на какие-либо события. Бросила режиссуру в СПБГУКИ, в выставках и конкурсах не участвовала, манифестов не выдвигала, в резиденциях не жила. Переехала в Петербург в 2009 году, защитив диплом социального психолога в Москве. Хочу найти каких-нибудь биологов, изучающих китообразных, присоединиться к ним в качестве фотографа и снимать китов. Мечтаю о том, чтобы увидеть Землю из космоса. Готовлюсь к переезду в Берлин.

Ссылки:
https://www.behance.net/joannakeler
www.flickr.com/photos/joannakeler/

Zoom: Ты оказалась в Марселе случайно, или это была как-то давняя мечта?
Саша: В общем-то можно сказать, что случайно. До этого я была несколько раз в Париже и окрестностях, но всегда хотела добраться до юга. А этим летом изначально были планы путешествия в США, но в какой-то момент они изменились, и мы решили, что поедем куда-нибудь к морю. Так сначала мы оказались в Ницце, а затем отправились в Марсель.


Z: Это типично для тебя – делать зарисовки в городах, которые посещаешь? Как ты работаешь? Все зарисовки были сделаны in situ?
C: Нет, совсем нетипично, это мой первый опыт. Этой весной я поступила в Школу свободной живописи в Хельсинки и заново открыла для себя рисование. Все рисунки сделаны с моих фотографий уже после приезда.


Z: Горшки с цветами на улицах – едва ли не самый распространённый мотив в твоей марсельской серии. Совсем нет людей. Это случайно? Чем тебя зацепил Марсель?
C: Марсель совершенно удивительный город. У нас с моим мужем есть такая примета, что если в городе много кошек, то он обязательно попадает в список любимых. Этим летом Марсель пополнил этот список. А что касается цветочных горшков, то они там повсюду. На каждой улице стоят несколькими рядами. Это не могло не зацепить. Вообще, Марсель обладает совершенно особой аурой, он мультикультурный и интернациональный, местами напоминающий то ли Танжер, то ли Лиссабон, – все те города, в которые хочется вернуться.


Александра Ротц (родилась в 1985 году в Ленинграде) живет и работает в Хельсинки.

Искусствовед, медиахудожник, музыкант, работает в разнообразных смешанных техниках и формах современного искусства (анимация, коллаж, объект, инсталляция, перформанс, video-art, photo-based art, звуковая скульптура, музыка и др.).

Участник ряда выставок в Санкт-Петербурге и Москве. Автор и участник проектов «Другие берега» (2014) и «Дикое путешествие в сердце русской идеи» (2015).

Сооснователь бренда SASHAPASHA.

Ссылки:
https://www.facebook.com/sashaipasha
https://vk.com/sashaipasha
https://www.sashapasha.com/
https://www.instagram.com/sashapashashop/

Выставка – участник фестиваля БУМФЕСТ 2016.


Zoom: В твоей художественной практике в равной степени сочетаются два, казалось бы, противоположных интереса: к полноценным историям, с началом, развитием и концом, и к паттернам, которые автономны, дискретны, бессобытийны. Вместе с тем, любая повторяющаяся история вроде как становится паттерном…

Мария: Отчасти, интерес к орнаментам и узорам связан с моей тягой к древнерусскому искусству. Орнаменты, которыми в древности украшали одежду, предметы быта, дома, были весьма символичны: каждая деталь имела свое значение. В таком узоре могла быть скрыта целая история. Меня это очень поразило и заинтересовало несколько лет назад. Естественно, в моих паттернах скрытого смысла нет, узоры и орнаменты мне нравились всегда, и я во многих работах стараюсь использовать их как часть иллюстрации или отдельно. Кое-где, в историях, связанных со старинными легендами, я стараюсь рисовать орнаменты с учетом древних символов, который бы имел значение и был связан с сюжетом.



Z: Кажется, что, в зависимости от того, работаешь ли ты над историей или паттерном, меняется и твоя техника. Ты пробовала работать в других гравировальных техниках, прежде чем остановилась на линогравюре? Что тебя в ней привлекает? Кто из художников, работавших или работающих в этой технике, тебе интересен?

М: Линогравюра и ксилография (гравюра на дереве) нравятся мне возможностью создания цветовых пятен, орнаментов, текстур. Мне кажется, что мне они по стилистике подходят больше, чем, например, сухая игла или офорт, отличающиеся множеством тонких линий. Возможно, это связано с тем, что я немного занимаюсь резьбой по дереву. Линолеум резать легче, чем дерево, а результат получается схожий, поэтому выбор в пользу линогравюры. Поскольку требуется большое количество исходного материала – линолеума или дерева, линогравюра выходит дешевле ксилографии. Меня узнают в строительных магазинах, где продают линолеум, спрашивают: «Вам как всегда?».
Художников, использовавших линогравюру в своих работах, конечно множество. Мне интересны работы В. Фаворского – одного из основоположников этой техники в нашей стране, многих современных художников. К примеру, Rachel Newling, Lynette Weir – австралийские художницы, вдохновленные природой этого материка, редкими и необычными растениями; Sherrie York, Alexandra Buckle, Dale Clifford – у этих художников очень интересные (для меня) многослойные линогравюры, передающие красоту природы; Ольга Езова-Денисова, Lieke van der Vorst – у девушек приятные истории, детские книжки и паттерны.



Z: Многие твои истории вдохновлены древними русскими легендами и сказаниями. Пользуешься ли ты какими-то специальными литературными и этнографическими источниками? Привносишь ли ты в эти сюжеты что-то свое?

М: У меня давний непрекращающийся интерес к древнему славянскому фольклору и искусству, для меня в них практически неисчерпаемый источник вдохновения. Среди литературных источников Н. Афанасьев, В. Пропп, В. Даль, множество других авторов и публикаций, к примеру эссе «Ключи Марии» С. Есенина. Я, конечно, иногда дополняю старинные сюжеты или перерабатываю их немного. Легенд и сказаний великое множество, в разных местностях одно и то же природное явление, допустим, описывается по-разному. Несколько раз я разные легенды, посвященные одной теме, объединяла в одну историю. Поверья и сказания всегда были подвержены изменениям: люди, пересказывая их друг другу, невольно меняли какие-то детали. Мне интересно придумывать истории, поэтому старинные легенды для некоторых из них служат основой или вдохновением.



Z: Из твоего портфолио понятно, что ты мыслишь свои истории (серии гравюр) преимущественно в формате книг. Каков их тираж, и где они распространятся? Работаешь ли ты как иллюстратор с издательствами?

М: Тиража пока что нет практически никакого. Книги я делаю в одном или нескольких экземплярах непосредственно из оригиналов линогравюр, иногда делаю для них деревянные обложки – получается что-то вроде «книги художника». Собираюсь сделать и крошечный тираж, отпечатанный в типографии. С издательствами, к сожалению, пока не сотрудничаю, работы, в основном, делаю по собственной инициативе.



Оригиналы работ выполнены в технике линогравюры. На выставке используются сканированные и напечатанные на плоттере копии.


Мария живет и работает в Москве.

2011–2015 BA Hons Illustration (Bachelor of arts/Бакалавр Искусств), University of Hertfordshire/БВШД, Москва

Участие в выставках:
•    Subspecies/Подвиды, FLACON, Москва, 2014;
•    Storyline, FLACON, Москва, 2014;
•    Paper Fashion Week, Paper, Красный Октябрь, Москва, 2014;
•    Выставка работ студентов БВШД, Artplay, Москва, 2014;
•    Robots Show (Бал роботов), Artplay, Москва, 2014;
•    FUMETTO International Comic Festival Satellite Exhibition Storyline/Soroka, Люцерн, 2015;
•    Британка: Рабочий режим, Artplay, Москва, 2015;
•    FUMETTO International Comic Festival Satellite Exhibition, Люцерн, 2016.

Ссылки:
https://www.behance.net/mariekokorina
https://www.tumblr.com/blog/mariekokorina
https://www.instagram.com/mariekokorina/

Борис Рыжий состоялся как поэт в противоречивые 1990-е годы. С ними он и ушел, совершив самоубийство в 2001 году в 26 лет. Папа – профессор-геолог, мама – заслуженный врач-эпидемиолог. Шедший по стопам отца, Рыжий занимался научными вопросами тектоники земли, в то время как на ее поверхности страна переживала потрясения социально-политические. Геолог-поэт застал их в провинциальном Свердловске. Новостройки, трамваи, окурки и трубы заводов. После дебюта в екатеринбургской печати (журнал «Урал») публиковался в журналах «Звезда», «Urbi», «Знамя», «Арион». В 2000 году его первый и единственный прижизненный сборник «И всё такое…» вышел в престижной поэтической серии Пушкинского фонда «Автограф». Приземленность, простота и сострадательность Рыжего позволили метко уловить нерв времени и его расхожих героев. Мир поэта «со всеми нечистотами местного Стикса, со всеми братками, кентами, ментами, телегами и тельниками, с дешевым портвейном и свинцовой, завернутой в газету арматурой, со всем его характерным для поэзии городских окраин блатным рококо» (А. Арьев) в достаточной мере отрефлексирован литературной критикой. Но вместе с «ушлым парнем предместий», с подвыпившим «мальчишкой в серой кепочке» в стихах поэта существует ранимый и трепетный лирик. Настоящая выставка указывает именно на этот аспект творчества Рыжего. Отобранные несколько строф из «Нежной сказки для Ирины» представляют в волшебно-эскапистском ключе его отношения с женой. Сопровождающие текст фотографии художницы Кати Канке становятся визуальными рифмами к стихам. Cделанные в разное время и по разным семейным поводам, они – также про возможность любви и близости.

Выборочная библио- фильмография:

Поэтические сборники
•    И всё такое… / сост. Г. Ф. Комаров. СПб.: Пушкинский фонд, 2000.
•    На холодном ветру / сост. Г. Ф. Комаров; авт. предисл. С. Гандлевский. СПб.: Пушкинский фонд, 2001.
•    Стихи. 1993—2001 / сост. Г. Ф. Комаров. СПб.: Пушкинский фонд, 2003.
•    В кварталах дальних и печальных…: Избранная лирика. Роттердамский дневник / сост. Т. М. Бондарук, Н. В. Гордеева; авт. вступ. Д. Сухарев. М.: Искусство—XXI век, 2012.

О поэте
•    Андрей Арьев. «Блок, Иванов, Рыжий»
•    Самуил Лурье. «Поэт Рыжий — синие облака»
•    Алексей Пурин. «Под небом, выпитым до дна»

Документальный фильм «Борис Рыжий» (Boris Ryzhy; 2008), режиссер Алёна ван дер Хорст (Aliona van der Horst), 60 мин. Cайт фильма: www.borisryzhy.com.  

www.borisryzhy.ru


Катя изучала фотографию в СПбГУКИ на кафедре кино-, фотоискусств и в Фотодепартаменте.
Живет и работает в Москве.

www.instagram.com/beingkatyakanke/


Zoom благодарит Полину Ермакову за консультацию по вопросам творчества Бориса Рыжего и дружеское содействие в организации выставки.

Zoom: Когда ты включаешь отчетливо инородные, хотя и формально мотивированные элементы в условный фотографический пейзаж, тебе хочется преодолеть такие его традиционные качества, как панорамность, бессюжетность и документальность?

Ольга: Здесь речь идет, скорее, не о преодолении. А о совмещении или, может быть, даже вмещении. Я всегда радовалась свойству документальности фотографии, но в отношении собственных снимков, особенно имеющих давность лет, понятие строгой документальности для меня становится не так важно. По крайней мере, в том, что представлено здесь, я отчетливо ощущаю преодоление времени.
  


Z: Толща воды, пожалуй, самый часто используемый элемент интервенции в работах. Он несет для тебя какое-то индивидуальное/символическое значение или нагрузку?

O: Толща воды – отлично звучит. Вода вдохновляет меня именно своей многомерностью. Вода готова принять в себя многое, здесь мы опять выходим на категорию времени. Вода всеобъемлюща и при этом неуловима, хрупка и величественна одновременно. Не скрою, что первоначально меня увлек момент так называемой «искусственной волны», я с большим интересом совмещала изображения разных вод, пытаясь внутренне почувствовать их биение. Но потом это распространилось и на сушу, на сюжеты.



Z: Твои составные пейзажи преимущественно безлюдны. Это случайно? Географически или типологически есть ли какие-то пространства, которые ты предпочитаешь другим?

O: В безлюдности есть пространство для высказывания, с появлением человека все усложняется, взаимоотношения внутри изображения приобретают какой-то более заданный смысл. При этом мне хотелось бы не пускаться в абстрактные блуждания, а сохранить равновесие реальности, только немного заострив внимание на вышеупомянутом биении. Географических предпочтений не имею.  



Ольга живет и работает в Петербурге.

когда я училась фотографии, я 'шла' к какой-то цели, к какой-то точке, искала место своё ... это было интересно, но и порой очень трудно... и вот с момента моего первого дальнего путешествия – в Барселону, где я почувствовала, увидела, осязала, впитывала культуру, архитектуру, краски, интонации, природу старой Европы / Центральной Европы ... и именно с этого момента произошло осознание того, что моя фотография это дневниковая фотография

а начало моего изучения фотографии 2006 год / может быть Солмаз сказала /

а моим ориентиром к дневниковой фотографии была Lina Scheynius

www.linascheynius.com

и продолжает быть

'открыла' её для себя году в 2010 плюс минус

я участвовала в её воркшопе ... она приезжала в фотодепартамент ... она осталась для меня девушкой со своих картинок фотографий, в жизни она такая же, как на карточках, или на карточках она такая же, как в жизни

она из тех, кого невозможно причислить к обычным нормальным... она заполняет 'собой' в ту секунду, как появляется в пространстве

мне было важнее и ценнее видеть её и говорить с ней, насколько я могла, потому что тот проект, который получился, он получился скорее пробным искусственным / это уже не об этом /

почему так много фотографий с соборами... ведь это место где узнаешь себя... место полного уединения... место наполненное 'силой'... необъяснимое до конца...

киты с детства ... сначала просмотренный весь цикл передач с Жаком Ивом Кусто, потом книга, потом фильм о касатке... (без внутреннего порыва быть биологом/зоологом/мореплавателем)... а в каком-то двадцатилетнем возрасте мечта или просто какое-то желание когда-нибудь увидеть, а точнее оказаться рядом с ними в воде... ведь они чувствуют нас ... дотронуться … а лучше позволить им дотронуться до нас... и их песни... когда мы были с Солей в открытом море на прогулке... был небольшой шторм... я увидела один раз только спину... в тумане или это был моросящий дождь... то есть такой исландский пейзаж... но я через воображение и осознание понимала, что они киты под нашей лодкой... и просто разговаривала с ними

[Комментарий художницы через Messenger 2 мая 2016 года]


Фотографии сделаны в Барселоне, в Пиренейских горах, по дороге в Павловск, на Ладоге и на острове Коневец в 2013–2015 годах.


Ольга живет и работает в Петербурге.

Zoom и художница благодарят Солмаз Гусейнову за помощь в организации выставки.

Название выставки отсылает к одной из работ на ней. Самая простая в техническом исполнении (зарисовка одного наблюдения), именно она тем не менее задает возможное облако значений. Про что-то незначительное, но вместе с тем пограничное, альтернативное и самодостаточное. Находящееся на краю. Работы фиксируют естественную среду, ресурсы и возможных героев: ночную жизнь, бары, уличных музыкантов, подземку, секонд-хенды, психбольницы, рыбаков, бездомных людей и животных, аутистов. Их визуальная интерпретация – абстрагирующая, редуцирующая бытовое в пользу яркого, хаотичного, цветного – располагает, приглашает, обещает какую-то историю.


Александра живет и работает в Петербурге. Родилась в Перми. Училась в Институте искусства и культуры (Пермь) и мастерской Марины Разбежкиной и Михаила Угарова (Москва).

Ссылка: http://illustrators.ru/users/Alexandra-Anokhina83

С помощью фотографий, сделанных киноведом Анной во время поездок по Европе, выставка напоминает о некоторых интересных событиях, произошедших в сфере искусства, кино и театра в 2015 году.


Анна живет и работает в Италии.

Родилась в Сочи. Училась в СПбГУКиТ по специальности «киноведение». Окончила факультет истории искусств ЕУСПб.

Ссылка: cargocollective.com/anna_malguina

Смотрите предыдущую выставку Flashback 2013 в: www.cafezoom.ru/gallery/#archive


------------
Комментарий к фотографиям

Бар
•    Ия. Петербург, январь.
•    Настя. Marina di Pietrasanta, Италия, oктябрь.

Первый зал
•    Выставка «Московский университет – 260. Страницы истории». Музей Москвы, февраль.
•    Бисеровский рыбокомбинат, Московская область, январь.
•    Выставка «Советское детство». Музей Москвы, февраль.
•    Выставка «Joel Meyerowitz – Retrospective». Kunst Haus Wien. Museum Hundertwasser, Вена, ноябрь.
•    Ein Gedi Spa. Мертвое море, Израиль, декабрь.
•    Выставка «Man Ray – Human Equations». The Israel Museum, Иерусалим, декабрь.

Первый проход
•    Петр Багров, XIX фестиваль архивного кино «Белые столбы», Москва, февраль.
•    Спектакль «Васса Железнова» по пьесе Максима Горького, режиссер Andreas Kriegenburg. Burgtheater, Вена, ноябрь.
•    Концерт Олега Каравайчука «Чистая музыка». Третьяковская галерея, Москва, август.
•    Выступление кинокритика Олафа Мёллера. Международный фестиваль восточноевропейского кино «goEast», Висбаден, Германия, апрель.
•    «Сверхновая. Фестиваль современного искусства». ЦДХ, Москва, ноябрь.
•    Выставка Jaume Plensa «Together». 56-я Венецианская биеннале современного искусства, сентябрь.
•    Выставка «Валентин Серов. К 150-летию со дня рождения». Третьяковская Галерея, Москва, ноябрь.
•    Спектакль «Юбилей ювелира» по пьесе Николы МакОлифф, режиссер Константин Богомолов. МХТ им. Чехова, Москва, март.
•    Афиша театра Sсhaubühne. Берлин, февраль.
•    Alexanderplatz Berlin, февраль.
•    65-й Берлинский международный кинофестиваль, февраль.

Второй зал
•    Выставка «Arts & Foods – Rituali dal 1851». ExpoMilano 2015, Триеннале, Милан, июль.
•    Выставка «Prosperous Poison. On the Feminist Appropriation of the Austrian Unconscious». Mumok – Museum Moderner Kunst, Вена, ноябрь.
•    Наталья Першина-Якиманская, художественная инсталляция «Одежда для демонстрации против фальсификационных выборов Владимира Путина 2011–2015». 56-я Венецианская биеннале  современного искусства, Основной проект, октябрь.
•    Выставка «We the people. New in Contemporary Art». The Israel Museum, Иерусалим, декабрь.
•    Выставка «TRANSFORMERS». MAXXI: Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Рим, декабрь.
•    Выставка «Prosperous Poison. On the Feminist Appropriation of the Austrian Unconscious». Mumok – Museum Moderner Kunst, Вена, ноябрь.
•    MAXXI: Museo nazionale delle arti del XXI secolo, архитектор Заха Хадид. Рим, декабрь.

Второй проход
•    Спектакль «Пьяные», режиссер Андрей Могучий. БДТ им. Товстоногова, Санкт-Петербург, май.
•    Ретроспектива Марлена Хуциева в Берлинском музее кино, май.
•    Спектакль «Сказки Пушкина», режиссер Роберт Уилсон. Театр Наций, Москва, июнь.
•    Федерико Феллини, эскизы к фильму «Восемь с половиной». Palazzina Fellini, Cinecitta Studios, Рим, декабрь.
•    Выставка Beezy Bailey и Brian Eno «The Sound of Creation: sound paintings». 56-я Венецианская биеннале современного искусства, июль.
•    Вирированная нитропленка, вырезки неизвестных фильмов 1910-х годов. Госфильмофонд России, Москва, март.
•    Рабочий кабинет Габриеле Д’Аннунцио. Il Vittoriale degli Italiani, Garda, июль.
•    Выставка «Фрэнсис Бэкон и наследие прошлого». Эрмитаж, Главный штаб. Санкт-Петербург, январь.

Третий зал
•    Международный фестиваль современного кино «2morrow/Завтра». Музей Москвы, январь.
•    Афиша фестиваля «Il cinema ritrovato 2015». Болонья, июнь.
•    В небе.
•    Piazzetta Pasolini, «Il cinema ritrovato 2015» (фестиваль архивного кино). Болонья, июнь.
•    Мастер-класс Марлена Хуциева в рамках ретроспективы «Вечно молодой» на Международном фестивале восточноевропейского кино «goEast». Висбаден, Германия, апрель.
•    Конец. Фестиваль «Il cinema ritrovato». Болонья, июнь.

Представленные на выставке фотографии в свое время были опубликованы в инстаграме @acattin. Уже третий год его ведет известный швейцарский режиссер-документалист, живущий в России и снявший здесь на данный момент свои самые важные фильмы (см. справку). Как и в его кино, в инстаграме улавливается особая социальная фактура, контрастность и парадоксальность российской действительности. Швейцария же, в основном, представлена безмятежными синими горами и зелеными лугами. В Zoom’е в уборной рядом с умывальником вместо трансляции Euronews можно наблюдать слайд-шоу c представительной подборкой всех этих изображений: как вода из крана, инстаграм-поток льется с экрана. Снимки в залах выделяют один симпатичный семейный мотив в этом потоке – взрослеющие дети-билингвы режиссера. Сестры Варвара (8) и Агата (3) Каттин растут в русско-французской языковой среде, и в их детстве, как и в их речи, забавно перемешиваются разные культурные коды – растрепанные петербургские улицы и ухоженные альпийские стога.


Юлия Каттин, мама Варвары и Агаты.
Еще до рождения первой дочери мы с мужем решили, что будем говорить с ребенком каждый на своем языке. «Один родитель – один язык» – классический подход, сформулированный французским лингвистом Морисом Граммоном. К трем годам дети начинали мешать французские и русские слова в одном предложении, склоняли французские или русские слова по правилам грамматики другого языка, добавляли к французским словам уменьшительно-ласкательные суффиксы, а к русским – артикли. Вот несколько примеров:

•    Глизко – скользко. В слове слились французский глагол glisser с суффиксом и окончанием русского наречия «скользко».
•    Флерик – цветок. Fleur – цветок на французском языке, «ик» – русский уменьшительно-ласкательный суффикс.
•    Хочу la glace (ла глас). La glace – мороженое. «Хочу мороженое». Пример смешивания русского и французского языков в одной фразе. Ребенок обычно заменяет слово, которое сложно выговорить, на более простое. Ласковое «ла глас» куда легче произнести, нежели урчащее «мороженое».
•    В детском саду Варя ленилась запоминать имена и отчества воспитательниц и называла их «ля дам» (la dame – дама).
•    Le солнце. Французский артикль le. Le soleil.
•    «У Жака (так зовут нашу морскую свинку) нет фуоен!» – восклицает младшая дочь. Foin – «сено» на французском языке. Это слово она знает только на одном языке.



Zoom: Известны ли тебе случаи, когда режиссеры-документалисты снимали фильмы про своих детей? Есть ли какие-то профессиональные табу на это счет?

Антуан: У каждого режиссера и героя, снимающегося в документальном фильме, есть свои табу. Одна из основных задач документалистики как раз заключается в том, чтобы почувствовать эти границы. Что касается съемки своих детей, мне кажется, это лучшее кино, которое можно было бы только снять. Но известных попыток немного. Мне очень нравится фильм Йохана ван дер Кёкена «Каникулы кинематографиста» (Filmmaker’s Holiday, Johan van der Keuken). В маленькой деревне на летнем отдыхе он снимал свою семью – детей и беременную жену в доме, в спальне, в душе, в саду, на зеленом лугу или на скамейке перед домом. Правда, этот видеоряд в фильме он смешивает с другими: отрывки из его предыдущих фильмов, кадры из политической хроники и т.п. Получился такой фильм-«интроскопия», самоанализ, где автор размышляет, часто очень поэтично, о связи между интимной стороной жизни и творческим процессом. Словно говорит: все тесно взаимосвязано, одно без другого не получится.
Конечно, сразу вспоминается фильм «Свято» Виктора Косаковского. Режиссер прятал от своего сына зеркало первые два года его жизни. Мальчик не видел своего отражения до двух лет! Это был своеобразный киноэксперимент. Режиссер пытался запечатлеть момент, когда ребенок впервые увидит свое отражение в зеркале, в надежде зафиксировать «улыбку бога», если можно так пафосно выразиться. Другое дело, что конечный результат, на мой взгляд, оказался неудачным с точки зрения драматургии, потому что особой реакции у ребенка на зеркало не было.



Антуан Катин (Antoine Cattin) – швейцарский режиссер документального кино, живет и работает в Петербурге. Автор фильмов «Плейбэк» (Playback, 2012), «Мать» (The Mother, 2007), «Мирная жизнь» (Life in Peace, 2004), «Трансформатор» (The Transformer, 2003), удостоенных многочисленных призов на международных кинофестивалях. Антуан работает над новым документальным проектом «Праздники», а также является режиссером и монтажером «Альманаха» и видео-роликов для интернет-сериалов «Срок» и «Реальность», выходящих на канале Youtube.

Ссылки:
www.instagram.com/acattin/
www.youtube.com/user/realnostcom/featured

Перевод: Вера Маркова

Каллиграфия: Михаил Заиканов

Как самостоятельный жанр хайку сформировался в японской лирической поэзии еще в XVI веке, хотя до конца XIX века назывался хокку. Кажущаяся простота стихосложения здесь подчиняется определенным правилам: оригинальное японское хайку состоит из 17 слогов, составляющих один столбец иероглифов, текст при этом делится на пятом и на двенадцатом слогах (схема 5–7–5). При переводе на другие языки это система конвенционально передается трехстишием, но оригинальное количество слогов часто невозможно сохранить. В классическом хайку центральное место занимает образ природы; в тексте всегда есть указание на время года, для чего используется какое-нибудь «сезонное слово». Возможно, поэтому хайку пишут только в настоящем времени. Попытка Мацуо Басё и его школы найти красоту в повседневности оказалась одним из самых значительных обновлений поэтического жанра хайку. Так, один из его учеников отметил: если прежние поэты воспевали соловья, который поет на ветке сливы, то нынешние подмечают, как он «роняет помет на лепешку».


Мацуо Басё (1644–1694) – японский поэт, теоретик стиха. Родился в семье самурая. С 1664 в Киото изучал поэзию. Состоял на государственной службе с 1672 в Эдо (ныне Токио), затем был учителем поэзии. Поэтическое наследие Басё представлено семью антологиями, созданными им и его учениками: «Зимние дни» (1684), «Весенние дни» (1686), «Заглохшее поле» (1689), «Тыква-горлянка»(1690), «Соломенный плащ обезьяны» (книга 1-я, 1691, книга 2-я, 1698), «Мешок угля» (1694) и лирическими дневниками, написанными прозой в сочетании со стихами. Наиболее известный из них – «По тропинкам Севера». (По материалам Большой советской энциклопедии.)

Вера Николаевна Маркова (1907–1995) – переводчица, филолог, исследователь японской классической литературы.

Михаил Заиканов – художник, живет и работает в Москве.


Правила поэтического паломничества (приписывается Басё)
•    Не спи дважды в той же гостинице. Ищи циновку, которую ты ещё не согревал своим теплом.
•    Не носи на поясе даже кинжал, не убивай никакой живой твари.
•    Посуда и утварь должны соответствовать нуждам одного человека – не слишком много, не слишком мало.
•    Желание плоти рыбы, птицы и животных нехорошо. Потворствование чревоугодию и стремление к редким блюдам ведет к чрезмерным удовольствиям. Помни высказывание: Ешь простую еду, и ты сможешь всё.
•    Не произноси своих стихов без просьбы. Если попросят, не отказывайся.
•    Не пользуйся лошадью или паланкином. Думай о своем посохе как о третьей ноге.
•    Не увлекайся вином. Трудно отказаться на празднике, трудно остановиться после того, как выпито немного. Не позволяй себе никакой грубости. Поскольку пьянство отвратительно, в Китае используют неочищенное сакэ. Держись подальше от сакэ, будь осторожен!
•    Не забывай платить паромщикам и давать чаевые.
•    Не упоминай о слабостях других людей и своих сильных сторонах. Оскорблять других и восхвалять себя – очень вульгарно.
•    Если речь не идёт о поэзии, не сплетничай о разных вещах и отвлеченных материях. Когда разговор касается подобных тем, расслабься и вздремни.
•    Развлечения препятствуют глубине и цельности сознания. Путь хайку начинается с концентрации и недостатка развлечений. Вглядись в самого себя.
•    Ты не должен брать иголку или травинку, если они не принадлежат тебе. Горы, ручьи, реки, болота – всё имеет своих хозяев. Помни об этом и будь осторожен.
•    Посещай горы, реки и исторические места. Не давай им новых имён.
•    Будь благодарен человеку, научившему тебя хотя бы одному слову. Не пытайся учить, пока сам не поймёшь все полностью. Учить можно только после завершения самосовершенствования.
•    Не относись с пренебрежением к каждому, кто дал тебе приют хотя бы на одну ночь или хотя бы раз накормил. Но и не льсти людям. Кто поступает так – мошенник в этом мире. Идущие путем хайку должны общаться с другими, идущими тем же путём.
•    Думай по утрам, думай по вечерам. Не путешествуй в начале и конце дня. Не беспокой других людей. Помни: Если ты часто беспокоишь других людей, они отдалятся от тебя.

Zoom: Современный танец для тебя хобби, своего рода йога, или что-то большее?
Саша: Современный танец, которым я занимаюсь уже много лет, для меня основное, самое важное дело, так что сложно назвать это хобби или просто оздоровительной практикой. Меня привлекает то, что в этом пространственном, сценическом искусстве, главным медиумом или инструментом является тело, которое используется для создания перформансов, хореографических работ. Таким образом, я занимаюсь развитием своего тела как медиума, обращаясь к разным техникам и практикам движения.


Z.: Ты работаешь с хореографами? У кого бы хотела поучиться? Ставишь сама? Или это всегда импровизация? Пытаешься как-то документировать свои хореографические идеи, перформансы? Или документация не так важна?
С.: Современный танец в России все еще имеет субкультурное значение, развитие профессионального сообщества и среды затруднено, поэтому хотелось бы продолжить свое обучение там, где есть возможность профессионального танцевального образования, например в Европе. Возможность формировать своё высказывание через движение – это один из  ключевых аспектов в современном танце для меня. Об этом мы говорим на классах, которые я недавно начала вести. Начиная с простой техники и базовых движений, мы постепенно переходим к возможности импровизировать, как в группе, так и самостоятельно, учимся говорить на этом языке. Документация важна как для формирования профессионального портфолио, так и для того, чтобы продолжать работу над своими идеями, для того, чтобы в какой-то момент оказаться зрителем собственной работы.


Z.: Название выставки отсылает к одноименному культовому (во многом благодаря саундтреку Жорди Саваля) французскому кинофильму о музыканте и композиторе конца XVII века Маре́не Маре́. Фильм про молодость, романтические отношения героя, которые обогащают его творческие поиски. Но еще шире он – про музыкальную и танцевальную культуру Людовика XIV, когда, скажем, балет начинает формироваться как самостоятельное искусство. Насколько для тебя важна музыка, и где для тебя начинается современный танец?
С.: Современный танец начинается там, где есть тело и пространство. Это искусство, скорее, связано с телом, но  не обязательно с музыкой. С другой стороны, язык современный музыки изменяется и развивается. Так, многие композиторы записывают свои пьесы уже не просто нотами, а рисунками, например используют графические символы, и работа с такими графическими партитурами уже становится своего рода телесной практикой: при помощи тела и нескольких предметов ты можешь исполнить пьесу. Как исполнитель ты оказываешься уже не только музыкантом, но и танцором, и наоборот.


Саша Сизова живет и работает в Санкт-Петербурге.


Ссылка:
www.flickr.com/photos/27685942@N06

For English please scroll down


Zoom: Керамика и графика – два основных медиа в твоей художественной практике. Как они соотносятся и чем ценны для тебя?  
Полина: Рисовать я начала совсем недавно, до этого панически боялась и была уверена, что не умею (а надо «уметь»). Однажды мне понадобилось сделать эскизы к моей работе из керамики, которая была уже готова. Это нужно было для презентации проекта, но мне казалось нелепым делать какие-то наброски задним числом. Я тогда очень разозлись и решила, что просто что-то нарисую, пусть ерунду. И внезапно мне понравилось, впервые появилось чувство, что «я могу говорить», что я совершенно свободна в выражении своих эмоций. А керамика для меня, прежде всего, – волшебство, когда достаешь вещи из печки, запах глины, классная музыка в мастерской и много приятной физической работы.


Z.: Эти не типичные медиа для Школы Родченко, которая ориентируется на фотографию и мультимедиа. Ты открыла их для себя, уже будучи в Германии? Как это произошло?
П.: В Родченко у нас были прекрасные занятия по фотокомпозиции, где мы делали коллажи и фотокниги. Лепить я начала спустя пару лет, еще в Москве, потому что мне очень хотелось делать что-то руками, а не только работать с изображением. Сейчас я использую фото своей керамики для коллажей и часто, когда я работаю над скульптурой, я прежде всего думаю, как эта вещь будет выглядеть на фотографии.


Z.: Кто тебе важен и интересен из художников, работающих в схожих медиа?
П.:  Сейчас мне, пожалуй, больше всего интересны Луиза Буржуа, Ричард Таттл и Ева Гессе. Я стараюсь узнать больше о художниках, которые воспринимают рисунок как автономную практику (а не как эскиз или нечто вспомогательное).


Полина Гринберг родилась в 1984 году в Москве. Училась в Школе Родченко в Москве, Институте художественной керамики и стекла в Германии, художественной академии ArtEZ в Нидерландах. Живет и работает в Кобленце, Германия. Участник выставок в Германии, России и Швейцарии.

----

Polina Grinberg
Things Taking Shape
works on paper


Zoom: You mostly work with ceramics and graphic art. What does each of these two genres mean to you and do they somehow interrelate in your practice?
Polina: It’s only relatively recently that I started working with graphics. Before that, I was scared of drawing and I thought that I’m not qualified enough (and only those who are skilled and qualified, I thought, have the right to draw). As a sculpture student, I was once asked to hand in preliminary sketches for some ceramic pieces that I had produced before. I thought that it was stupid, as there were no such sketches in the first place, and yet I had to conform to the requirements of the course and to draw something. I got really angry and irritated and just told myself: I will draw some kind of nonsense, just… whatever. And all of a sudden it turned out that this very setting gave me the freedom of expression. I realized that graphic art is a language that I can speak and I am capable of putting on paper any emotion I am experiencing at a given moment. As for ceramics, for me it is something different. For me it’s the magical experience I go through every time when I take my work out of the kiln, it’s smelling the fresh clay, it’s listening to music in the workshop and of course it’s the pleasure of working with your hands and working a lot.


Z: We see that you studied at the Rodchenko Art School in Moscow (one of the leading Photography Schools in Russia). They aren’t really into ceramics and graphic art, are they?
P: That’s right. But I really enjoyed the Composition in Photography course. We made collages and photo books. About two years later I realized that working with images is not enough and that I would like to work with my hands, and so I started to explore the field of clay modeling and sculpture. Nowadays, I often use photographs of my ceramic pieces to create collages. And even when I am in the middle of the act of conceiving a sculpture, I often ask myself what it would look like in a photograph.


Z: Could you name a few artists whose work you find particularly important and interesting?
P:  At the moment, I would say Louise Bourgeois, Richard Tuttle and Eva Hesse. I’m constantly on the lookout for artists who think of drawing as of an autonomous practice, rather than simply using it for sketches etc.


Polina Grinberg was born in Moscow in 1984. She studied art at the Rodchenko Art School in Moscow, at the Institute of Ceramic and Glass Arts (IKKG) in Germany, and at the ArtEZ Academy in the Netherlands. Polina has participated in various exhibitions in Germany, Russia and Switzerland. She lives and works in Koblenz, Germany.

Ссылки / Links
polinagrinberg.de
facebook.com/ArtPolinaGrinberg

Zoom: Когда и почему у тебя возникло желание поговорить c Петром Мамоновым, пускай и вот так заочно, посредством образов и цитат? Ты знакома с ним лично?
Варвара: C Петром Мамоновым не знакома. А на одном из его концертов я купила пятитомник под названием «Закорючки». В этих книгах собраны самые разные высказывания Петра на простые жизненные темы: Самочувствие, Труд, Ель, Асфальт, Он и Она, Осуждение… У меня уже были проекты, в которых я использовала цитаты из произведений других авторов. Я искала, вычитывала их у любимых писателей. А в книжках Петра они уже были готовыми короткими образами, на которые сразу захотелось ответить.


Z.: Диалог – новый для тебя жанр. Как ты его выстраиваешь?
В.: В каждой работе я отзываюсь на одну из предложенных Петром тем. Порой, правда, в ответ хочется сказать о чем-то другом. Наш "разговор" дополнен высказываниями и других людей. Мамонов в своих книжках иногда ссылается на Евангелие. У меня появляются визуальные цитаты из произведений других художников, например Джотто.


Z.: В работах ты прибегаешь к определенной символике, связывающей их вместе. Ты могла бы ее расшифровать и прокомментировать?
В.: Весь диалог сложился в серию графических листов. Вместо изображений героев у меня появились обозначающие их формы. Дом — это Петр Мамонов. У каждого есть свой дом, в котором можно спрятаться; это устоявшаяся, надёжная, классическая форма с дверями и окнами. Другая форма — табуретка. На нее можно сесть с любой стороны, на неё можно встать и что-нибудь достать, под ней можно спрятаться, если уменьшиться. Это нужная в доме вещь, а если её накрыть тряпкой, то получится дом. Табуретка в работах обозначает Варвару Помидор. В итоге весь изобразительный ряд диалогов вместился в эти две формы.


Выставка проходит в рамках и при поддержке фестиваля БУМФЕСТ 2015.

Варвара Помидор живет и работает в Петербурге.

Ссылки:
varvarapomidor.ru
boomfest.ru

Художница благодарит Эльдара Кархалёва и Zoom за помощь в организации выставки.

У изображений нет никакой объединяющей истории, кроме той, что они все были отобраны для выставки на фотохостинге художницы. Такой сетевой публичный дневник по определению субъективен и фрагментарен. При всем разнообразии возрастов и мотивов перевес здесь наблюдается в сторону молодости и праздности. Связанные с ними легкость, беззаботность и поверхностность отлично подчеркиваются акварельной техникой работ: светлая бумага и ее мягкая фактура как основа и формообразующий элемент, прозрачность, свежесть, тонкие контуры, водяные разводы. В итоге даже неблагополучные сюжеты – драка или бездомные – лишены каких-либо негативных ассоциаций и, скорее, интерпретируются как своеобразная форма бездельничанья. Участвующий практически во всех акварелях розовый цвет, кажется, призван напомнить известный фразеологизм, означающий иллюзорное и примирительное восприятие реальности.


Саша родилась и живет в Омске, недавно окончила институт по специальности «дизайнер одежды». Она рисует иллюстрации и комиксы, выпускает зины, делает дизайн футболок. Работала с инди-журналами из Англии, Гонконга и Канады. Уже в течение трех лет постоянный участник фестиваля комиксов Бумфест.

Ссылки:
www.flickr.com/photos/nervouscloud/
http://sashagrime.tumblr.com/

Андрей Сирке известен в городе как диджей и коллекционер виниловых пластинок. Уже много лет именно он формирует музыкальный фон Zoom’a (как нам верится, уникальный). На выставке мы впервые показываем его фотографии. Идея была в том, чтобы увидеть глазами Андрея легендарный фестиваль FLOW в Хельсинки, который он обозревал в прошлом году (см. art1.ru/music). Но по ходу дела возникло желание поместить это яркое действие в контекст города, где оно происходит, а также последовать за автором в другие столицы Cеверной Европы, которые, кажется, тоже лучше всего посещать летом.


Андрей родился в Саратове, живет в Петербурге. Занимается музыкальным оформлением кафе Zoom, коллекционирует и продает в магазине Vinylbox виниловые пластинки. Как диджей регулярно играет в барах Mishka, Хроники, ПирО.Г.И. и других. Фотографирует. Рисует.

Ссылки:
www.flowfestival.com
instagram.com/kudawas/
www.lastfm.ru/user/kudawas
rateyourmusic.com/~kudawas

Написанная свободным стихом «Песня о себе» – ключевое произведение в знаменитом поэтическом сборнике «Листья травы» американского поэта-новатора Уолта Уитмена (1819 – 1892). Исследователи отмечают, что сборник, впервые изданный в 1855 году, многим современникам показался провокационным, если не шокирующим, из-за отказа Уитмена от традиционных поэтических размеров и приёмов, а также в силу прямолинейности и приземлённости его тем. «Когда большая часть поэзии того времени была сфокусирована на символизме и аллегориях на духовные и религиозные темы, в «Листьях травы» восхвалялся телесный и материальный мир». Для выставки мы выбрали фрагмент из 31-го раздела поэмы, в котором Уитмен настаивает на уникальности, равновеликости и пантеистическом единстве всего живого – растений, животных и человека. Русский перевод текста выполнен Корнеем Чуковским, поклонником и популяризатором творчества Уитмена в России.


Библиография:
К. Чуковский, Мой Уитмен, М.: Прогресс, 1969

Архив Уитмена:
www.whitmanarchive.org

В то время как изображения на стенах вовлекают нас в невесомое и бесконечное пространство облаков, в выставочных буклетах можно обнаружить набор карманного размера фотографий, которые определенно «возвращают» нас на землю (наверное, самым весомым доказательством этому окажется снимок слона в бетонном вольере). Сделанные в основном за пределами Петербурга или в дороге, эти фотокарточки – случайные путевые заметки художницы. Деревья, люди, животные, дороги, бытовые предметы здесь часто сняты с высокой точки и водворены в вертикальный формат, даже тогда, когда изображение, кажется, сопротивляется ему. Вертикальность формата сопряжена с фрагментарностью, субъективностью взгляда и некоторой суетой. Гигантское общее небо остраняет и "возгоняет" эти разрозненные человеческие истории, обнажая при этом их хрупкость и преходящий характер.

Снимки в буклетах можно перебирать, тасовать и понравившиеся оставить себе на память. Наверное, здесь есть некоторая рифма к интернет-современности: автор помещает и делится некоторым набором личных изображений через «облако» (виртуальное хранилище данных, доступное в любой точке мира). Но в этом жесте также много от старомодного и понятного желания художника сохранить непосредственный контакт со своим зрителем, настаивать на важности и уникальности такой встречи.


Ольга Зубова родилась в Свердловске, живет и работает в Петербурге. Ольга благодарит родных и друзей за поддержку, а также ZOOM за содействие в организации выставки.

Список работ

Бар
•    я как будто бы часть леса
•    совпадение: ремонт на гороховой и мой переезд в новый дом

Первый зал
•    во время дождя у неба острое лицо
•    будапештские лемуры на стене дома
•    первобытность

Первый проход
•    моя хореографическая школа и бабушкины занавески

Второй зал
•    связь между деревом и человеком неопровержима
•    трое
•    цветковая сестра
•    то ли небо, то ли дерево, то ли москва

Второй проход
•    я экономила плёнку
•    сицилийские поезда совсем непунктуальны

Третий зал
•    старики и море
•    фламинго в Сан-Мари дё ла Мер
•    сицилийская корова пьёт не воду, а море
•    от жары двоилось в глазах
•    красный

Первый зал
Если выбросить подстриженные волосы на улицу, птицы подберут, совьют из них гнёзда и будет голова болеть.

Второй зал
Если долго смотреть на луну, станешь лунатиком.
В зеркало зевать – счастье своё прозевать.

Третий зал
Сто укусов комаров – это смерть.
Если глотать семечки целиком, они прорастут в тебе.


Наталья живет и работает в Санкт-Петербурге. Училась в Государственном академическом художественном лицее им Б. В. Иогансона на отделении живописи, затем на кафедре графического дизайна СПбГУ. Проработав несколько лет по специальности в дизайн-студии, вернулась к рисованию.

KAJGANA, или омлет на сербо-хорватском, – облегченная версия графического блокбастера Arabian Nightmares, впервые показанного в загребской галерее чуть больше года назад (150 рисунков, сделанных за 3 дня, на пятидесятиметровом рулоне бумаги, закрепленном на полукружной стене). В основе проекта, жанр которого автор определяет как ‘comic book installation’, лежат впечатления художника и европейца от бурно развивающейся столицы Объединённых Арабских Эмиратов Абу-Даби, где он целый месяц был участником арт-резиденции.

Стипан Тадич (р. 1986) живет и работает в Загребе, Хорватия. В 2011 году окончил магистерскую программу по классу живописи в Академии художеств в Загребе. В 2014 году опубликовал свою первую книгу комиксов – Parisian Nightmares (книгу можно посмотреть и приобрести в дни работы выставки). Выставлялся в Хорватии и Европе, участвовал в художественных резиденциях, получатель ряда наград. В феврале 2015 года Стипан участвует в Кронштадтской художественной резиденции ГЦСИ.

Художник и Zoom крайне признательны Hrvoje Matasović за помощь в подготовке выставки.


KAJGANA, or omelet in Serbo-Croatian, is a light version of the graphic blockbuster 'Arabian Nightmares', which was shown for the first in Zagreb-based gallery a year ago. A series of 150 drawings, genre of which the artist defines as ‘comic book installation’, was created in just three days on a fifty meter paper roll, fixed along a semi-circular wall of the gallery. The author visualises his mixed cultural experience of living in Abu Dhabi, the highly trendy capital of the United Arab Emirates, where he participated in an art residency program for a month.

Stipan Tadić (b. 1986) lives and works in Zagreb. In 2011 he finished his MA in painting at the Academy of Fine Arts in Zagreb. In 2014 he published his first comic book Parisian Nightmares. He had several exhibitions in Croatia and Europe. He participated in several residential programs and is recipient of several appreciations and awards. In February 2015, he participates in the NCCA Art Residence in Kronstadt.

The artist and Zoom are deeply grateful to Hrvoje Matasović for his help with preparing the show.

For English, please, scroll down.

Снимки сделаны художником у себя дома, в Финляндии, и во время путешествий. Каждый из них он прокомментировал. На фоне холодных, нейтральных и порой фантастически красивых пейзажей локальная повседневность автора дневника переплетается с глобальной современностью.

Комментарий художника:
С 2001 года я ежедневно фотографию какой-нибудь пейзаж. Я увязываю эти фотографии с важными личными или мировыми политическими событиями. Так, мои изображения связывают вместе частные человеческие истории и террористические акты, воспитание детей и геноцид, запах кофе и глобальную экономику. В настоящее время эти «дневники погоды» включают в себя тысячи снимков, и это продолжающийся проект; поэтому все выставки этой серии отличаются друг от друга. Отправной точкой для проекта стало ощущение того, что мировые события, личные события и погода всегда будут повторяться и сливаться в один большой континуум. Увязывание пейзажа с новостями позволяет также интерпретировать характер нашего контакта с мировыми событиями через посредство СМИ. Теперь все стало слишком близко. Помимо прочего это означает, что события, которые происходят совсем рядом, перестают быть близки нам.

Яри Силомаки живет и работает в Хельсинки.

В России фотопроект «Мой дневник погоды» был впервые целиком представлен на выставке «Изобретение повседневности. Часть IV: ДНЕВНИК» в кураторском пространстве «Витрина районной библиотеки» в рамках параллельной программы Европейской биеннале современного искусства «Манифеста 10».

--------------------
English

Jari Silomaki
My Weather Diary
2001 – ongoing

The artist took the photographs in his native Finland and during travels. The bottom of each picture features his hand-written comment. Against the background of cold, neutral and sometimes exceptionally beautiful landscapes, the local everyday life of the diary’s author is intertwined with global contemporary events.

Artist’s statement:
Since 2001 I have been taking a landscape photograph every day. I connect these photographs to important personal or world political events. These images link personal human relationships and terrorist attacks, bringing up children and genocide, the smell of coffee and the global economy. At present, these ‘Weather diaries’ comprise thousands of photographs and constitute a continuous process; all the exhibitions on this theme have been different. The starting point of this work was that world events, personal events and weather will always repeat themselves and merge into one large continuum. Connecting landscape with the news also concretizes how we are in contact with world events through the media. Everything is brought up close, which also means that events that are truly nearby are no longer close.

Jari Silomaki lives and works in Helsinki.

In Russia, the full version of the My Weather Diary was presented for the first time at the show ‘Inventing Everyday Life. Part IV: Diary’, which was part of the parallel program of the European Biennial of Contemporary Art Manifesta 10.

"Мы начали рисовать рисунки для нашего малыша еще до его рождения, и это было как подготовка к его появлению на свет. Позже друзья нам посоветовали повесить эти рисунки на стены вокруг его пеленального столика, чтобы ему было куда смотреть во время всяких неприятных и приятных процедур. И тут нас совсем захватило. Самое классное, что создавая эту выставку для одного самого любимого зрителя, мы не были скованы никакими ограничениями. Так здорово, когда взрослым людям можно дурачиться и быть наивными и тебе за это ничего не будет, но с другой стороны понимать, что таким образом воспитывается визуальное восприятие твоего сына. А это для нас, как для художников, особенно важно. Кроме того у нас началось соревнование друг с другом, какой рисунок завоюет больше его внимания. Со временем малыш стал узнавать своих любимых персонажей и даже здороваться с ними: «агу!». И мы надеемся, что некоторые из них вам тоже придутся по вкусу." Катя и Миша

Катя и Миша живут и работают между Москвой и Петербургом. Данный совместный проект в чем-то продолжает и дополняет Инстаграм-дневник Кати Канке #everydaymirror, который можно посмотреть в рамках выставки «Изобретение повседневности / ДНЕВНИК» в пространстве «Витрина районной библиотеки» до 30 октября включительно.

Zoom: Когда и как возникла идея делать зарисовки в кафе/ресторанах/барах?  
Екатерина: Когда ты занимаешься рисунком, очень важно делать много набросков для улучшения техники. Однажды, уже ближе к концу школы я попыталась рисовать в недавно открывшейся тогда «Идеальной чашке». Получилось не очень хорошо, но я стала пробовать еще и еще, и вдруг поняла, что мне нравится совмещать посещение заведений с рисованием. Это такой способ изучения пространства, подглядывания за окружающими людьми.  
  
Z: Как много уже появилось таких зарисовок? Какова география охвата?
Е: Если говорить о рисунках кафе и баров, то у меня есть файл с картой города, на которой я помечаю места, где получилось поработать (см. выше). В Петербурге набирается уже около двухсот таких мест. Большинство из них находится в центре города, но мне всегда интересно расширять географию и выбираться в другие районы. Обычно стараюсь ходить в места, которые еще не посещала, но есть несколько заведений, в которых я люблю бывать регулярно.
  
Z: Ты всегда работаешь с натуры? Рисуешь по памяти?  
K:  Обычно я замечаю приятное кафе и решаю там как-нибудь порисовать. Придя туда, ищу интересный ракурс, сажусь на свободное место, заказываю напиток, или еду, начинаю рисовать. Иногда не успеваю закончить на месте и дорабатываю уже дома по памяти, или опираясь на сделанные в процессе фотографии.  
  
Z:  Что играет решающую роль в выборе мест? Их что-нибудь объединяет? Есть  места, в которых ты бы не стала работать?  
K: Объединяет то, что в них хочется зайти и провести там какое-то время. Не люблю рисовать в однотипных фаст-фудах, где все поставлено на поток. И в суши-барах обыкновенно не возникает такого желания. Очень любила рисовать в недавно закрывшемся баре «Терминал» на улице Рубинштейна и давно закрывшемся Achtung Baby.
  
Z: Ты наблюдаешь сцену уже много лет. Есть ли изменения, которые тебе кажутся неожиданными, интересным?  
K: Неожиданным для меня стало то, с какой регулярностью стали теперь открываться новые заведения.  
  
Z: Получается ли зарабатывать этим ремеслом? Ты берешь заказы?  
K: Иногда меня просят нарисовать что-нибудь для какого-нибудь бара. Или покупают уже готовые рисунки.  
  
Z: В  твоем блоге Betweenthebars в какой-то момент стали появляться музыкальные треки, сопровождающие  иллюстрации. Это музыка, которую ты слушала в момент работы?
K:  Иногда да, иногда это просто песни под настроение, которым хочется поделиться.

Работы на выставке – результат учебного задания в классе голландской художницы Рут Ван Бик (Ruth Van Beek), которая прославилась своими сюрреалистическими коллажами. Последним, очевидно, и объясняется общая установка Александра в этом проекте на разного рода «спаривание», скрещивание случайных фотографий между собой или с другими посторонними предметами, вроде оберточной бумаги или стекла. В серии, названной автором "Годзю-рю" (2012), получилось около полусотни таких экспериментальных изображений. Выставка подчеркивает один часто повторяющийся визуальный прием в снимках, который внешне напоминает простую дробь – что-то одно представляется через отношение двух разновеликих частей. Исторически появление дробных чисел было обусловлено потребностью в более точном измерении. В искусстве уже такая простая двухчастная коллажная форма позволяет передать сложность, но возможность достижения гармонии, которая волей художника водворяется в часто стилистически и семантически разобщенное визуальное пространство.  

"Практически все работы, представленные на выставке, являются частью ежедневного проекта УТРО РИСУНОК. Его задача схожа с утренней зарядкой: один рисунок или короткая GIF-анимация в начале дня, чтобы проснуться." М.С.

Десять лет назад, в 2004 году, марсоход MER-A успешно опустился на Марс; начала работу крупнейшая в мире социальная сеть Facebook; Венгрия, Кипр, Латвия, Литва, Мальта, Польша, Словакия, Словения, Чехия и Эстония вошли в состав Европейского союза; церемония вручения Притцкеровской премии впервые состоялась в России, а Заха Хадид стала первой женщиной-архитектором, награждённой этой премией; прошли летние Олимпийские игры в Афинах; произошла «оранжевая революция» на Украине; в Петербурге открылся Zoom...

Zoom – это благополучная история исполнения Машиной мечты. К счастью, хорошие намерения, уважение к другим и труд составили долгосрочный успех. Честный, мягкий и бюджетный, Zoom популярен среди людей самых разных возрастов и занятий, и местных, и туристов. Буквально за последние несколько лет в центре города открылось заметное число кафе и баров европейского типа, которые теперь, прямо как в Берлине, образуют кластеры и позволяют любителям общения всех сортов находить для себя подходящую нишу. Zoom оказался одним из первых местных образцов такого молодого предпринимательства. Многие его отличительные черты – настольные игры на подоконниках, чеки в книжках, мягкие игрушки, цветы на улице, рисунки посетителей в меню, отсутствие униформы – можно теперь встретить и в других местах. Наконец, у Zoom'a есть история самоопределения, которая послужила названию выставки. В первые три года он имел репутацию литературного кафе (большой привет Арсению Мирзоеву). Напоминанием о том славном прошлом осталась библиотека. С 2007 года Zoom работает как кафе-галерея, с ежемесячными выставками, молодыми художниками, кураторами, буклетами, афишами и вернисажами.

Вспоминая свои первые десять лет, Zoom обращается к личным историям своих обитателей. Ключевой элемент юбилейной выставки – фотографии сотрудников Zoom’a, когда им было по десять лет. Легкость, уверенность, обилие планов и самолюбование – все это передают снимки, наравне с характерным колоритом времени. У тех, кто постарше – студийные карточки, когда фотосъемка оказывалась целым ритуалом. Более поздние кадры сняты «мыльницей», зато более индивидуальны и симпатичны своей спонтанностью и легкомысленностью. Многих сотрудников легко узнать. На выставке давние друзья Zoom’a художники Миша Заиканов и Катя Канке сопоставляют фотоснимки с иллюстрациями из позднесоветского школьного учебника английского языка.* Качественная книжная графика напоминает о том безмятежном времени, когда дети трогательно пели в унисон: «Прекрасное далеко, не будь ко мне жестоко».

Zoom меняется, взрослеет или, по крайней мере, не думает стареть. Логотип становится разноцветным, с почти хипстерскими очками вместо лупы. На очереди – сайт и интерьер. So far, so good.

Гастроли Schaubühne, 55-я Венецианская биеннале, «Идеальный муж» Богомолова, открытие Главного штаба Эрмитажа, болонский фестиваль архивного кино – эти и другие жанрово и географически отдаленные друг от друга культурные события объединяет их «прописка» в 2013 году и общий очевидец, фотограф Анна. Такого рода снимки маргинальны в ее профессиональной практике (она предпочитает портреты сюжетам), сделаны спонтанно, для себя, просто в силу привычки. Но они могут быть интересны тем, что дают представление о маршруте рядового европейского арт-туриста. Вслед за Анной выставка предлагает всем желающим освежить свои впечатления или сверить свои арт-маршруты за прошедший год. Или просто узнать о них. (Я, например, был рад увидеть отличный кадр c, пожалуй, самой эффектной сценой в «Смерти в Венеции» Schaubühne или с выставки Nouvelles vagues в Palais de Tokyo, а также обнаружил, что разминулся с Анной на одну неделю на Венецианской биеннале и, к сожалению, не доехал до местечка Казарса-делла-Делиции, чтобы посмотреть на фотографии играющего в футбол Пазолини.) Из общей концептуальной канвы выбиваются только снятые из самолета облака и шествие-прощание с Манделой в декабрьском Париже. Они про то, как где-то между небом и землей обывательская история одного арт-туриста случайно пересеклась с Большой.


Анна живет и работает в Петербурге и Москве.
Родилась в Сочи. Училась в СПбГУКиТ по специальности «киноведение», закончила факультет истории искусств ЕУСПб.

Links: http://malguina.tumblr.com

Почти сразу зритель догадается, что имеет дело со скриншотами страниц из Инстаграма. Разные по настроению фотоснимки на этих страницах принадлежат некой Фрау Блюм – настоящее свое имя, как и лицо, она скрывает – и спонтанно прокомментированы ее остроумными друзьями. Выставка переводит эту ситуацию визуально-вербальной коммуникации художественно чутких и близких друг другу людей из онлайн- в офлайн-режим. По встречающимся здесь эмоциональным состояниям и деталям повседневности остается только воображать, какая она в жизни, эта Фрау Блюм – с неместными раскраской и сочетаниями в одежде, скорее всего, вегетарианка, эфемерная и нужная, как ромашка в сером городе, растерянная и отзывчивая, какой обнаруживаешь надолго оставленную дома кошку.

Формально все снимки имеют дело с геометрическими телами на плоскости. Однако масштаб здесь задают деревья, а не люди. Географическая широта таким образом привносит разнообразие в тяготеющее к абстракции наблюдение фотографа. Весомая часть работ сделана в отчетливо северном ландшафте – жестком, лесистом и монотонном. Заброшенные архитектурные объекты сняты в упор. Их форма следовала функции, но о последней все равно остается только гадать, даже зная, что запечатлены различные строения Пулковской обсерватории. Это рифмуется с осколками других некогда продвинутых цивилизаций, но уже среди песка и зноя юга (так, на одном из снимков различим фрагмент пирамиды). Про неизбежность торжества природы над духом немецкий социолог культуры Георг Зиммель в свое время написал программное эссе «Руина» (1907). Сопоставленные вместе, две серии вроде как добавляют к этой ключевой коллизии несколько новых смысловых оттенков, если не оппозиций: север и юг, космос и история.

Выставка про разные проявления и ощущения весны, которую всегда очень ждешь

Одна французская комедия построена на том, что в течение всего действия фильма его главный герой, находясь в Париже, в силу разных, часто совсем нелепых, обстоятельств не может увидеть главную и долгожданную достопримечательность этого города – Эйфелеву башню. Нечто похожее, хотя и по другим причинам, испытает зритель на выставке Нади, посвященной Лондону, в котором молодая российская художница живет последние несколько лет. Здесь не будет Вестминстера, Биг-Бена, дворцов, колледжей, Burberry и других ожидаемых «туристических» объектов. Напротив, это взгляд изнутри, взгляд человека, для которого Лондон – это среда обитания или выживания, а не мимолетного переживания и праздного узнавания. Отсюда три главных места действия: лондонский tube (метро) – пожалуй, самая верная возможность увидеть воочию мультикультурность этого мегаполиса; затем пабы и бары с их поддерживаемой алкоголем эйфорией от ежевечерней социализации; и наконец, основные места обитания студентов, мигрантов и богемы: спальные районы East End’a и тусовочный Soho. Лондон всё же можно распознать в этой общеевропейской картинке по редким архетипическим образам, вроде красной будки на сером фоне. Примечательно ещё то, что все работы выполнены на планшете iPad (программа Brushes). Эскизный характер и свежесть картинки работают на общую идею демонстрации casual Лондон безо всякой потери в современности этого восприятия. Во многом отвечая на давно существующий в России определенный запрос на английское, выставка предлагает симпатичную альтернативу гламурному, дорогому, модному и брендовому, и от всего этого слегка пошловатому, образу города, созданному совместными усилиями российского глянца и олигархов.

Выставка размышляет над тем, что именно создаёт в интерьере Zoom’а ощущение подкупающей непосредственности, обжитости и оттого психологического комфорта. Мне кажется, это заметная экспансия книг (любопытство) и мягких игрушек (детскость). Выставка обыгрывает эти два «мягких знака» интерьера средствами живописи и фотографии.

Написанные Женей в чуть больше чем натуральную величину полки с книгами отсылают к элементу домашней обстановки, который считается в европейской культуре одним из основных  для характеристики габитуса образованного человека. Сотни самых разных книг образуют, как кирпичи, одну из несущих «стен» его непосредственной среды обитания, репрезентируют его символический капитал, опыт, возможности, вкус, желания. По корешкам изданий часто можно предположить профессиональную биографию их владельца (см. работу «Физики»), но есть и общая для всех зона культурного совпадения (русская и зарубежная классика, энциклопедии, словари, художественные альбомы). Такие книжные стеллажи в доме вроде как обещают встречу с интеллигентным интересным собеседником. В картинах Жени можно увидеть определенный момент иронии по отношению к этому расхожему ожиданию, поскольку они могут работать как trompe l’eil (обманка).

Фотографии уложенных спать игрушек были сделаны в Zoom’е спонтанно и подпольно в одно воскресное февральское утро. Я снял их для себя, на старый iPhone. Женя предложила их напечатать и показать другим. Очевидная техническая несовершенность этих снимков тогда становится намеренным приемом. Они документальны и атмосферны, улавливают переходное состояние между туманностью сна и ясностью проникающего утреннего света. Позже стало известно, что у всех игрушек есть имена, и их укладывают спать только в ночь с субботы на воскресенье, «когда у них есть возможность выспаться» (Zoom открывается позже в выходной день). И всё в таком духе.

Понятно, что визуально и концептуально приветливая материальная среда есть продолжение или проекция внутреннего мира людей, в данном случае, работающих в Zoom’е.

Маяк в море, самолет в небе, лошадь в поле. Голые плечи и ноги в теплом песке. Детство – это когда ты один, потому что еще не успел завести друзей. Детство – это когда ты всегда на заднем сиденье автомобиля, потому что так безопаснее. Детство – это когда на тебя смотрят сверху вниз, а ты должен снизу вверх, хотя чаще хочешь вперед. Детство – это когда деревья были большими, камни живыми, а взрослые ведут опять не туда. Детство – это унисекс, монтаж, совместимость всего. Трава легко становится волною, мальчик птицей, девчонка героем, деревья замком, замок горою, а с горы близки облака. Детство – это когда ты можешь упасть с неба, переплыть море, перешагнув поле, очутившись в лесу, попутно уснув на чьей-то спине или в чьем-то гнезде. Детство – это когда тебе жизненно нужен двойник, потому что salute! – мало, а больше – «стесняюсь», или у меня свой, «французский», язык. Детство – это полуденное солнце и четыре стороны света, но потеряться страшнее в городе. Детство – это когда путешествие, скорее, судьба. Велика и неизбежна, как первое сравнение теплой домашней ванны и соленого и ветреного моря.

Отобранные работы из трех разных фотосерий – Less, Косы и Agatocolor – схожи в своей попытке запечатлеть пейзаж как место конвергенции природы и культуры. Находящиеся где-то в лесу или в поле заброшенные спортивные площадки, аэродромы, наружные щиты, заборы, бытовые предметы формируют, маркируют, преобразуют эту среду, силы же природы уверенно берут реванш. Человек на всех этих снимках отсутствует, но всегда подразумевается. Некоторые из работ, наверное, можно прочитать в экологическом ключе, другие, напротив, меланхолично фиксируют руинизацию объектов и связанных с ними человеческих историй. Но все же большинство снимков, скорее, ставит формалистские задачи: обновление нашего восприятия предметов и явлений, их сущности, структур, фактур, функций и взаимосвязей. Смена привычного контекста, неожиданный ракурс, контраст или обнажение «границ» вещей работают на определенный эффект их «остранéния»: ви́дения, а не узнавания. Экспозиция усиливает этот аспект фотосерий, наравне с их стремлением, намеренным или случайным, к типологизации. По аналогии с детской игрой «найди энное количество отличий», она предлагает зрителю, пренебрегая отличиями, найти сущностные повторения и сближения, чаще на концептуальном или фактурном уровне. Например, между можжевельником на фоне отштукатуренной стены и асфальтом аэродрома с соснами на горизонте; или между иконой в лесу и частоколом человеческих рук на фоне голубого неба.

У каждого из нас есть пространство, которое мы считаем личным. В данном случае я имею в виду место, где мы чувствуем себя в безопасности и комфорте. Особенностью этого места является то, что, находясь в нем, мы освобождаемся от моделей поведения, навязываемых обществом. По-настоящему самими собой мы можем быть, только когда рядом нет другого человека. Под присутствием другого здесь понимается как его физическое существование рядом, так и онлайн- и мобильная доступность для других. Желание снимать данный проект возникло из переживания потери личного пространства. Рано или поздно рядом со мной кто-то появлялся. Это могли быть друзья, оставшиеся после вечеринки, или девушка, переехавшая ко мне жить, это могли быть в разной степени знакомые мне люди, остановившиеся переночевать. И как бы близки мы ни были, каждый из них – это не я, это другой человек, и своим присутствием он забирал часть моего личного пространства, трансформировал его в социальное. В поисках способа выражения этой идеи я начал снимать автопортреты в магазине IKEA. Внутренняя организация магазина предполагает смешивание личного и социального. Готовые интерьеры предъявляют себя как территорию личного, предлагая примерить комфорт уютного дома. В тоже время это магазин – социальное пространство, предполагающее определенные правила поведения. Я расширяю свое личное пространство, нарушая правила магазина и вовлекая покупателей во взаимодействие со мной. Через это я хочу усилить и акцентировать столкновение личного и публичного.

Вик Лащенов